Variedades

TOP 5 VILLANOS DE TERROR

POR: Andres Vallecilla Jaramillo

Desde pequeños tuvimos miedo a los payasos y las alcantarillas, miedo a dormir y tener pesadillas o de encontrarnos con un el 31 de octubre.

Todo esto gracias al cine de terror, que con películas como “CHUCKY, EL MUÑECO DIABOLICO”, “ESO (IT), EL PAYASO ASESINO” o “HALLOWEEN”, nos pusieron a temblar de pavor y a refugiarnos bajo las cobijas.

Son los más malos entre los malos y si te encuentran morirás, hoy hablaremos sobre el TOP 5 de villanos de terror más relevantes  y escalofriantes del cine de terror.

5. Chucky de CHUCKY, EL MUÑECO DIABOLICO.
Después de rogar muchas veces, el simpático Andy Barclay (Alex Vincent), convence a su madre de comprarle el último juguete de moda, el “Good Guy”.

Una amiga de su madre le dice a ésta que hay un vagabundo vendiendo el muñeco a poco precio, la señora decide comprárselo como regalo de cumpleaños.

Lo que no sabe es que antes de morir, Lee Ray, un asesino en serie, utiliza la magia vudú para poseer el cuerpo de este muñeco que se hace llamar Chucky y utiliza al pequeño niño como distractor para cometer sus fechorías.
Cabe resaltar que pronto podremos ver nuevamente a este muñeco asesino en una nueva pelicula.

4. El payaso Pennywise, de ESO, EL PAYASO ASESINO
Los payasos ya no son tan divertidos desde que vimos esta película, Pennywise ha pasado siglos aterrorizando los sueños de los niños inocentes y gracias a él, tomar una ducha significaba tener un ojo puesto en el desagüe (Por lo menos en mi caso).

Pennywise no tiene forma fija, pero suele aparecerse generalmente en forma de payaso. En la película basada en la novela de King, se le ve como un payaso calvo, con la cara blanca, pelo rojo alrededor de la cabeza, una nariz roja, unos tirantes amarillos con botones naranjas y guantes blancos, de vez en cuando  lleva globos en su mano.

En numerosas ocasiones le suelen aparecer colmillos marrones para atemorizar a sus víctimas, apariencia que aumenta el temor en los espectadores. Muchas personas empezaron siendo coulrofobicas (Fobia a los payasos) por culpa de personajes como Eso, que actualmente es un icono muy popular entre los payasos asesinos. Tiene un sentido del humor muy extraño. Se suele reír y contar chistes grotescos.

3. Michael Myres de HALLOWEEN
Michael Myers nació el 19 de octubre de 1957 . Tuvo dos hermanas, Judith Margaret Myers, y Cynthia Myers. Debido al tiempo que Michael pasaba solo, empezó a escuchar voces, unas voces que solamente él podía oír  y que le incitaban a matar.

El 31 de octubre de 1963, Michael cruzó la calle y vio a su hermana Judith y su novio sentados en el sofá, besándose y teniendo prácticas sexuales. Michael, todavía vestido en su traje de payaso, usado para esa Noche de Brujas, entró en la casa a través de la cocina, tomó un cuchillo de una gaveta de la cocina y esperó hasta que el muchacho dejara la casa. Michael caminó subió las escaleras y apuñaló brutalmente a su hermana hasta matarla.

Por este crimen, Michael es enviado a un Smith´s Grove Sanatorium, un hospital psiquiátrico, donde permanece durante quince años a cargo del Doctor Samuel Loomis. El 30 de octubre de 1978, Michael se fuga y regresa a Haddonfield (Illinois) para matar a su hermana Laurie de  17 años y poder terminar lo que empezó hace 15 años.

Se le atribuyen poderes místicos e inmortalidad y como dato curioso, la máscara que utiliza fue moldeada a partir del rostro de William Shatner.

2. Jason Voorhees de VIERNES 13
Jason era un niño del que abusaban constantemente, se burlaban de sus discapacidades mentales debido a su hidrocefalia y lo herían física y mentalmente. Fue tal el abuso en el campamento, que los compañeros de Jason lo persiguieron hasta el lago, donde cayó y como no sabía nadar, se ahogó.

Los cuidadores del campamento no estaban atentos, ya que se encontraban bajo los efectos de las drogas y estaban más interesados en practicar sexo entre ellos que en hacer su trabajo, razón por la cual, Pamela Voorhees, su madre, se vengó, dando así comienzo a la masacre de Crystal Lake, conocido posteriormente como «el campamento sangriento».

La madre es asesinada por un machetazo en la cabeza y Jason vuelve de entre los muertos para continuar la venganza.
Su característica mas relevante es que usa siempre una mascara de hockey.

1. Freddy Krueger de PESADILLA EN ELM STREET
Después de allanar su morada y encontrar varias versiones de sus famosos guantes con cuchillas Freddy es encontrado culpable por el asesinato de varios niños en Springwood, Freddy es enviado a prisión y luego liberado, ya que la orden de allanamiento en su contra no fue firmada correctamente.

Los padres de estos niños, cegados y con sed de venganza, deciden esa noche tomar la justicia por sus manos, lo siguen hasta su cuarto de calderas y allí le prenden fuego.

Antes de morir quemado, 3 demonios del sueño se acercan a Freddy.  Estos demonios vagaban por la tierra buscando un alma cruel y sanguinaria, para convertir los sueños en realidad. Freddy aceptó su oferta para ser «eterno».

Trece años después, Krueger se convirtió en una leyenda urbana. Los padres de Elm Street recordaban en silencio los eventos de la década anterior, mientras sus hijos ya eran adolescentes. A finales de 1981, los adolescentes de Springwood (específicamente aquellos cuyos padres tomaron parte en el asesinato de Krueger) empezaron e a morir, pero esta vez de una manera peculiar, mientras dormían. A menudo los padres ignoraban o rechazaban las historias de sus hijos, quienes decían haber visto a un hombre llamado Freddy que estaba atormentándolos en sus sueños.

Mientras la víctima dormía, Krueger podía invadir y tomar el control de sus sueños, llevándolos hasta la muerte. Cualquier daño que era realizado en sus sueños persistía en el mundo real, permitiéndole así cometer múltiples asesinatos. A menudo Freddy jugaba con sus víctimas, cambiando de forma y apareciendo de improviso en la misma fábrica donde fue quemado. Sus poderes aumentaban a medida que más personas creían en su existencia. En la cima de sus poderes, podía causar grandes daños en el mundo real, como la posesión de humanos o de su propio cadáver. Al asesinar a sus víctimas, las almas de los adolescentes eran absorbidas en el cuerpo de Krueger, adquiriendo más poder.

POR: Andres Vallecilla Jaramillo

RASTROS DE LIBERTAD

RASTROS DE LIBERTAD es un documental producido por Telepacífico y la Universidad del Valle, dentro de la serie BAJO EL MISMO CIELO, que ha sido galardonada con el premio India Catalina en 2017. En el proyecto figuran directores y productores de renombre como Oscar Campo, Antonio Dorado o Diego Gómez y en cada capítulo trata tópicos relativos a la región pacífica colombiana.

RASTROS DE LIBERTAD es dirigida por el realizador audiovisual Alexander González y cobra interés porque en tiempos en los que el medio ambiente reclama atención, el documental habla de la Isla Gorgona, un paraíso natural que hasta 1984 fue una prisión de máxima seguridad. La paradoja es clara y llamativa, porque el recuerdo de lo que fuera una cárcel, comparte protagonismo con el presente de un edén en medio del Océano Pacífico.

ORIGEN

Los primeros 10 años del siglo XXI, pasan con cuenta a favor para Christopher Nolan. En su gran mayoría las películas estrenadas en este período se convierten desde sus primeros momentos en pantalla, en objetos de culto. Sucede así con MEMENTO, estrenada en el año 2000, también con las dos primeras entregas de la trilogía sobre BATMAN, de 2005 y 2008, igualmente con ORIGEN, de 2010, e incluso con EL TRUCO FINAL, de 2006, que es la menos arriesgada de todas, aunque no por ello menos interesante. Entre todas, destaca por su complejidad la mencionada, ORIGEN. En ella están los elementos que definen la cinematografía de Nolan. Sobre todo la preocupación por el tópico de la memoria y por el mundo onírico o mejor, por el universo no consciente.

ORIGEN es definida como ciencia ficción y otros la incluyen en el género fantástico y tienen razón. Sobre todo es una película de viajes, en la que los personajes llegan hasta el interior de la mente para robar sueños, recuerdos y para estimular ideas que cambien la vida de determinados individuos. La historia está contada a manera de película de suspenso en la que el héroe es un refinado ladrón desterrado de su país y su familia. Todo en un contexto de gente culta, en el que los diálogos son profundos y la acción es intensa.

Gracias a su buen oficio cinematográfico, Nolan se da el lujo de abordar temas de complejidad elevada y aun así, estar cercano a los afectos del gran público. De tal forma que en 2010, ORIGEN fue la tercera película más vista del año. Contribuye a conseguirlo, que en sus repartos sean habituales figuras como Michael Caine, Tom Hardy o Marion Cotillard. También son determinantes el ritmo del montaje y el sello inconfundible de la música compuesta por Hans Zimmer, que no tiene reparos en dar prioridad al uso de los metales en los momentos donde la orquesta es el centro de atención.

DIRECTOR: Christopher Nolan

DURACIÓN: 148 minutos

REPARTO: Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page

PREMIOS Y FESTIVALES:
2010: 4 Oscars: mejor fotografía, sonido, ef. sonoros y visuales. 8 nominaciones
2010: Globos de Oro: 4 nominaciones: mejor película drama, director, guión, BSO
2010: 3 Premios BAFTA técnicos. 9 nominaciones, incluyendo mejor película y director
2010: Satellite Awards: Mejor fotografía, dirección artística, BSO. 11 nominaciones
2010: Asociación de Críticos de los Angeles: Mejor diseño de producción
2010: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año
2010: 6 Critics’ Choice Awards, incluyendo mejor película de acción. 10 nominaciones
2010: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor Guión y Mejor Fotografía. 5 nominaciones
2010: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor película
2010: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director
2010: Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guión original
2010: Sindicato de Actores (SAG): Mejores especialistas de acción (Largometraje)
2010: Premios Gaudí: Nominada a Mejor película europea

JOHN WILLIAMS: MAESTRO SONORO

POR: Andres Vallecilla Jaramillo

¿Te acuerdas de esa melodía de Jurassic Park que te emocionaba? ¿O del sonido de las trompetas cuando Darth Vader entraba en escena? ¿O ese escalofrió que te daba cuando escuchabas que el “Tiburón” se acercaba? ¿Te sentías un aventurero al escuchar el tema de Indiana Jones?.

Pues todo esto que sentiste es gracias al director de orquesta Neoyorkino John Towner Williams, famoso compositor de bandas sonoras como la de HARRY POTTER, E.T, SUPERMAN, entre otras ya reseñadas.

John Williams, Nominado 47 veces al Oscar y Ganador de 5 de ellos, es el compositor de música de cine mas reconocido en el mundo, con 100 bandas sonoras en su haber sin contar las 6 bandas sonoras para TV.

Cabe resaltar que es uno de los compositores preferidos por Steven Spielberg, ya que compuso la banda sonora de la mayoría, por no decir de todas, sus películas.

Hoy hablaremos en concreto de ATRÁPAME SI PUEDES, dirigida por Steven Spielberg en el 2002 y en la cual también participa Jonh Williams como compositor.

En este filme en particular, John Williams no utiliza los mismos sonidos de banda sinfónica que lo caracterizan, esta vez, utiliza sonidos mas llamativos de música jazz que evocan (intencionalmente) al gran Henry Mancini, también compositor de música de cine y quien creo el tema de La Pantera Rosa. Por esto, muchos críticos de cine dicen que es su mejor y más íntima composición hasta ahora.

La canción “Catch Me If You Can” le da vida y ritmo a la animación de los créditos iniciales de la película y los demás temas hacen juego con esas maravillosas canciones y artistas de los 60´s como “Girl From Ipanema” de Carlos Jobim, The Kinks y el fabuloso Paul Anka, las cuales disfrutamos viendo el filme.

Esta banda sonora y su compositor fueron nominados a los premios Oscar, BAFTA y Grammy, sin ganar ninguno de ellos.

TELEPACÍFICO, TELEVISIÓN PARA CONSTRUIR UN SUEÑO

Por Miguel Ernesto Yusty

En el año 2013, Telepacífico cumplió 25 años de existencia. Durante ese período, pasó por tiempos gloriosos como en el 2003 cuando llegó a ser el más visto de los canales públicos regionales, pero igual tuvo épocas de limitación económica debido a la entrada en funcionamiento de la televisión privada nacional y en abierto en 2002, e incluso, por equívocas gerencias que terminaron sumiéndola en la crisis de 2012. A ello debe sumarse la turbulenta presencia del narcotráfico durante los años 80 y 90, el fortalecimiento del paramilitarismo al llegar el nuevo siglo y la pugna entre el Estado y la insurgencia de izquierda durante más de 50 años, que afectaron la forma como el País y la Región hacen política y en consecuencia la forma como se ejerce el poder desde el Gobierno a través de sus instituciones.

Un estado democrático como el colombiano funciona según lo escrito en su Constitución. En ella se dictan las normas que garantizan el ejercicio de los derechos ciudadanos, así como sus deberes, todo inspirado en ideales de equidad, inclusión y tolerancia. Pero en un país donde la memoria sobre los procesos sociales, políticos y culturales es efímera, tales preceptos lucen desarticulados en la medida que el ciudadano no visualiza el modelo de sociedad que ellos propician, y los percibe lejanos a su propia realidad. Es decir que el esfuerzo que supone el ejercicio y defensa del mandato constitucional, carece de justificación, es letra muerta, un conjunto de palabras vacías que no representa ninguna posibilidad.

Sin memoria, incluso sin fabulación, no existe punto de retorno. Por eso, en la mente de un colombiano no hay un Cámelot mítico para recordarle que alguna vez todo marchó bien o una Roma clásica, en la cual la cultura y el control militar sobre la barbarie se impusieran al caos. En la Colombia real, cuando un político es nombrado o elegido para administrar los recursos públicos, lee las obligaciones escritas en el manual de funciones redactadas para su cargo, pero no tiene en su cabeza la imagen del objetivo que debe perseguir y alcanzar.

Poco ayuda la sacralizada expresión de ser un perpetuo “pueblo joven”, en un “continente joven”, con todo por descubrir e inventar. Nada más nocivo, porque para ello se vive en constante conflicto con el pasado, sin tener nunca una historia sobre la cual edificar. De esta manera, cada nuevo proceso electoral, condena a la sociedad a un olvido por decreto, porque el mandatario elegido y sus funcionarios de turno se esfuerzan por marcar un antes y un después, como una escisión en la línea del tiempo, en un intento por borrar todo lo actuado y perpetuarse en la memoria de los electores. Sin embargo, esa actitud, suma al funcionario a una interminable lista de ensayos similares, en los que el primer objetivo fue olvidar el camino recorrido, para luego refundar un nuevo modelo. Así, cuando algún funcionario confundido, quiere encontrar la vía correcta, debe empezar de cero y volver a inventarlo todo de nuevo. La opción adecuada sería investigar para recuperar las experiencias exitosas, pero no todos los funcionarios cuentan con tal vocación. En consecuencia la condena es casi dantesca, porque la administración pública repite hasta la saciedad sus mismos errores.

La raíz del funcionamiento deficiente de lo público radica en “la promesa”. La construcción de una sociedad debe estar sustentada en algún tipo de sueño común. En la antigüedad el sueño iniciaba con la fundación de una aldea, que con el correr de siglos llegaba a ser una ciudad. Si su fortaleza militar y cultural lograba soportar al embate de otras propuestas, su idea del mundo perduraría hasta nuestros días. En la actualidad los países, las ciudades y los pueblos no tienen tiempo para que el devenir histórico les ayude de manera aleatoria a encontrar el rumbo. Aunque la historia sea caprichosa, en contextos como el colombiano, inmersos en confrontaciones bélicas desde siempre, corrupción o delincuencia organizada, es importante y urgente explicar a la mayor brevedad la importancia del lenguaje de la convivencia y de la paz. Para hacerlo son requeridos los medios masivos de comunicación, en especial los medios públicos. Pero si quienes los dirigen y gerencian no entienden su compromiso histórico y social, las opciones para la sociedad y sus públicos se hacen limitadas. Tampoco será positivo el resultado si a pesar de entender su deber, ignoran la naturaleza del oficio creativo gracias al cual intentan comunicarse con los ciudadanos, es decir que si no entienden de televisión, la situación es inquietante.

Cuando se trata de televisión, la responsabilidad es mayor, por la fuerza inherente a la combinación de las imágenes con los sonidos. La sensación de verismo que encarna lo audiovisual, hace de la televisión el medio por excelencia para hacer entender a los televidentes los beneficios establecidos en la Constitución. El Estado es la promesa de un mundo mejor y lo público, es la materialización de esa promesa. Cuando lo público funciona, existe justicia y equidad en la repartición de los beneficios. A los medios de comunicación, entre ellos la Televisión, les corresponde explicar estos conceptos, haciéndolos perceptibles con la razón y también con la emoción, de otra forma, países como Colombia se verán constreñidos a seguir a ciegas cometiendo una y otra vez los mismos errores. Ello supone dotar a la televisión pública de los profesionales adecuados. Sin guionistas, fotógrafos, diseñadores de sonido, directores de arte o músicos, nunca se hará una televisión que cautive y entretenga. Por eso se requiere en los cargos directivos, personal entendido en el oficio audiovisual, con libertad para contratar motivados por los méritos del trabajador y no por sus afinidades políticas.

Para que la Televisión Pública Regional cumpla con su razón de ser, como un instrumento que construye, explica, expresa y transmite la imagen de un mundo soñado, se debe explicar que ella debe trascender el deseo de ser un reflejo de la sociedad, porque así se mantiene los televidentes permanece anclados al presente. La Televisión debe ser capaz de hacer soñar a sus espectadores, de otra forma el apabullante peso de la realidad, los dejará sin fuerzas para vencer la adversidad y generar una nueva sociedad. Si, la Televisión Pública Regional debe informar, educar y también entretener pero sobretodo, debe ser capaz de comunicar la promesa que encarna el Estado, para que la teleaudiencia pueda soñar con un mundo mejor y pueda encontrar en las herramientas del Estado, la vía para construirlo.

En un estado centralista, opciones como Telepacífico se convierten en una esperanza para la construcción de sociedad desde lo regional. La fortaleza sobre la que sustenta su esencia es la diversidad cultural de la vasta región a la que pertenece. Al igual que el resto del país, debe dedicar sus esfuerzos a permitir a sus telespectadores vivenciar, gracias a lo visual y lo sonoro, la propuesta de sociedad que el Estado encarna. A la par que se visibiliza el presente de la periferia alejada de la Capital, debe producir contenidos orientados a suscitar la visión de una sociedad que no existe aún, pero que es viable en la medida en la se trabaje para construirla. La Televisión Pública Regional se convierte entonces en el medio que permite visionar la sociedad soñada, siendo la herramienta que permite hacerla realidad.

LA HISTORIA DE LOS EFECTOS ESPECIALES

POR: Andres Vallecilla Jaramillo

A principios del siglo XX, George Méliès, ilusionista y cineasta francés filmaba el tráfico de París. El mecanismo de la cámara que utilizaba se atascó pero el tráfico siguió su curso hasta que se logró solucionar la dificultad. Luego, al proyectar lo obtenido por su cámara, vio como un gran bus se transformaba rápidamente en un coche fúnebre.

Se dice que desde ese momento se empezó a escribir la historia de los efectos especiales en el cine, sin despreciar a otros personajes que también aportaron diferentes tipos de efectos, ya que en ese preciso instante, George Méliès descubrió por equivocación el “Stop Trick”. Esto ocurre cuando se filma un objeto y mientras la cámara está apagada, el objeto se coloca fuera de la vista de la cámara y entonces se vuelve a encender. Al ver la película al espectador le parece que el objeto desaparece.

A partir de ahí, Méliès utiliza este truco o efecto en muchas de sus películas, entre ellas VIAJE A LA LUNA (1902) y EL VIAJE IMPOSIBLE (1904), dos de sus películas más conocidas y revolucionarias en su época.

Pero bueno, detengámonos aquí para saber que es en sí un efecto especial.

Los efectos especiales son un conjunto de técnicas utilizadas en el mundo del espectáculo o en el ámbito audiovisual y están destinadas a crear una ilusión audiovisual gracias a la cual el espectador asiste a escenas que no pueden ser obtenidas por medios normales. Los efectos especiales pueden ser usados para la representación de objetos o seres inexistentes. En el cine, también se hace uso de efectos especiales para mejorar elementos reales previamente filmados con medios convencionales.

Existen 5 tipos o 5 formas de clasificar los efectos especiales:

* Efectos Ópticos

* Efectos Mecánicos o Animatronics

* Efectos de Sonido

* Efectos de Maquillajes

* Efectos Digitales

 

EFECTOS ÓPTICOS

Los efectos ópticos, también llamados visuales o fotográficos, son los más antiguos. Pioneros como Georges Méliès, Segundo de Chomón, Willis O’Brien o Ray Harryhausen fueron los creadores de estas innovaciones.

Estos efectos fueron utilizados en películas como KING KONG, en la cual se acudió a la técnica del Stop Motion y LA GUERRA DE LAS GALAXIAS, donde se utilizaron experiencias  más avanzadas basadas en el Stop Motion, llamadas “Go Motion”

 

EFECTOS MECÁNICOS

Mejor conocidos como “Animatronics”, los efectos mecánicos incluyen marionetas mecánicas, escenografía y pirotécnia. Además de ser aquellos con los cuales  se crean escenas como la lluvia, disparos, destrucción de edificios, etc. Efectos como estos fueron utilizados en JURASSIC PARK para darle vida a los dinosaurios.

 

EFECTOS DE SONIDO

Los efectos de sonido son todos aquellos obtenidos con sonidos pregrabados, con o sin mezcla entre ellos.

Se utilizan en la mayoría de las películas pero para darles un ejemplo, el sonido del T-Rex de JURASSIC PARK  fue hecho mezclando sonidos de elefantes, tigres y lagartos, así como el sonido épico de las armas de LA GUERRA DE LAS GALAXIAS el cual fue captado del sonido de un martillo golpeando cables.

 

EFECTOS DE MAQUILLAJE

Los efectos especiales de maquillaje toman su nombre del inglés Special Makeup Effects (SPMFX), no son más que prótesis o elementos utilizados en el actor para resaltar sus rasgos,  hacer que se vea diferente, o para simular partes falsas del cuerpo. La mayoría de las veces están fabricados en látex.

Se acude a ellos principalmente en filmes de terror como por ejemplo la cara del inmortal Freddy Krueguer o el maquillaje que utilizan los actores en películas de zombies.

 

EFECTOS DIGITALES

Los efectos digitales también designados como infografías o imágenes generadas por computadora  son todas aquellas imágenes digitales que se crean por ordenador aunque también pueden ser imágenes reales retocadas por ordenador, con composición o proceso de integración de todas ellas.

Películas como AVATAR, HUGO, UNA AVENTURA EXTRAORDINARIA, SPIDERMAN 2 y EL SEÑOR DE LOS ANILLOS, han sido ganadoras del Oscar en los últimos años por sus espectaculares efectos visuales digitales.

POR: Andres Vallecilla Jaramillo

VOLVER

Por Miguel Ernesto Yusty

VOLVER, estrenada en 2006, es la película con la que Pedro Almodóvar hace un homenaje al mundo de su infancia y al entorno de mujeres en el que creció. Narra un drama familiar, que al mismo tiempo es una historia de fantasmas. Está protagonizado por Penélope Cruz y por Carmen Maura y aunque al verla produce una que otra sonrisa, es sobre todo una obra conmovedora.

Toca temas como el abuso a la mujer y la infancia, el incesto, la migración del campo a la ciudad o el desempleo. Sin embargo el peso de la historia recae sobre los hombros del personaje protagonista interpretado por Penélopo Cruz, sin permitir que el contexto altere la línea narrativa. Al revisitar tópicos como el de las mujeres que matan a los hombres que las agreden, se reafirma, tal y como sucede en ¿QUÉ HE HECHO YO PARA MERECER ESTO! de 1984, que el infierno y el paraíso se encuentran en el hogar, adentro de las paredes de la casa.

El talento de Almodóvar se revela tanto en la escritura del guion, como en la manera como concibe el color y en la forma como mueve la cámara. Con el color hace que las imágenes sean orgánicas, casi táctiles. Con la cámara y sobre todo con sus desplazamientos laterales, como el del inicio de la película, hace que el espectador perciba la dimensión de la imagen audiovisual hecha para pantalla grande. Almodóvar sabe convertir, los dramas íntimos en historias que adquieren la grandeza de lo universal, por eso el formato cinematográfico le calza como anillo al dedo.

 

ALFONSO CUARÓN, ESPEJO DEL CINE LATINOAMERICANO.

Miguel Ernesto Yusty. Profesor tiempo completo – Facultad de Comunicación y Publicidad – USC

Alfonso Cuarón es un director de cine mexicano, que desde muy joven es permeado por los filmes de los directores más vanguardistas de los años 70, entre ellos Felipe Cazals, quien filma la película de 1975, CANOA. Cuarón ha recibido galardones como el Oscar, el Globo de Oro y el BAFTA, entre otros. Por las temáticas que escoge y por la estética que emplea para tratarlas, ha encontrado una manera de dirigir que convierte sus obras en piezas de gran universalidad, cercanas a públicos del mundo entero.

Aunque desde que estrena su primera película titulada SOLO CON SU PAREJA, en 1991, se hace interesante para la industria de Hollywood, es con Y TU MAMÁ TAMBIÉN, de 2001, que la crítica empieza a considerarlo como un autor del que se espera una mirada particular. Este es un filme de carretera, en el que dos jóvenes amigos y una mujer que escapa de su vida matrimonial, recorren México, partiendo desde la ciudad hasta encontrar el mar en un lejano pueblo de la costa. Es cine que se enmarca en el género de viajes y en el que cada personaje se enfrenta a la realidad de su mundo interior, dentro del contexto de un país centro americano. Aunque centra su atención en la intimidad de las relaciones entabladas por los dos amigos y la mujer, es también un estudio de la sociedad por la que transitan. Cuarón consigue mantener el adecuado equilibrio entre la historia y el contexto, sin caer en la tentación de hacer de ella una película de denuncia. La problemática social está presente, pero el relato y sus personajes, son el centro de atención.

En el planteamiento estético de Cuarón, el uso del plano secuencia tiene un rol preponderante. Por plano secuencia se entiende el tipo de plano que sigue la acción sin cortar, aunque ésta cambie de escenario. Se trata de una práctica que ha refinado con el apoyo de Emmanuel Lubezki, el chivo Lubezki, director de fotografía, a quien conoce desde sus años de universidad y con quien ha rodado buena parte de sus trabajos para la gran pantalla. Muy recordados son los ejemplos de HIJOS DE LOS HOMBRES de 2006 y GRAVITY de 2013, en los que los planos secuencia se han convertido en íconos que influencian el trabajo de otros directores, como Alejandro González Iñárritu. Al uso del plano secuencia se suma el gusto por los lentes de gran angular. Este deseo por explotar las tomas extensas, lo lleva a desarrollar tecnología que facilite la búsqueda de sus objetivos estético narrativos, como sucedió durante el rodaje de HIJOS DE LOS HOMBRES.

El dominio de la técnica, combinada con una gran habilidad para la dramaturgia, le concede una versatilidad que le permite transitar entre diversos géneros, sin que la calidad de su obra se vea afectada. De tal forma que pasa del melodrama en Y TU MAMÁ TAMBIÉN, al género fantástico con HARRY POTTER Y EL PRISIONERO DE AZCABAN (2004), con resultados igualmente sobresalientes. La clave es que sabe leer lo particular del contexto en el que suceden las acciones, sin descuidar la esencial de sus personajes, así trasciende fronteras, siendo tan local como mexicano es y tan universal, como los dramas de sus personajes son.

En 2018 Alfonso Cuarón estrena ROMA y gana el León de Oro del festival de cine de Venecia. Para este proyecto plantea una historia autobiográfica, que sucede durante los años 70 del siglo XX. Al tiempo que la dirige, participa en la dirección de fotografía, en la producción y es además el guionista. En la actualidad Cuarón es un espejo en el que el cine latinoamericano se pueda mirar. Su cine permite comprender como abordar la complejidad de las problemáticas sociales, cómo dar importancia a la construcción de los personajes, y como crear estéticas atractivas, para conseguir así que el público y la obra sostengan una relación estrecha y sólida.

AMORES PERROS, INSIGNIA DEL MÉXICO CONTEMPORÁNEO

Mauricio Pulido C. Profesor tiempo completo – Facultad de Comunicación y Publicidad – USC

Alejandro González Iñaritu (DF 1963) Es uno de los directores mexicanos más importantes de los últimos veinte años y también uno de los latinoamericanos más laureados en la industria de Hollywood, ganador en dos ocasiones a mejor director en los premios ÓSCAR por sus películas BIRDMAN (2014) y EL RENACIDO (2016) esta última protagonizada por LEONARDO DICAPRIO, además de otros reconocimientos como mejor dirección en el FESTIVAL DE CINE DE CANNES (2011) por su película BABEL; pasó de ser locutor de radio a productor de comerciales y videos musicales, donde obtuvo experiencia y reconocimiento por la particularidad de sus trabajos que lo posicionaron en el competitivo medio audiovisual, hasta que en 1999 encontró el argumento de AMORES PERROS (1999) escrito por el también mexicano Guillermo Arriaga, con quien emprendería la aventura de materializar su opera prima, una historia enmarcada en la capital mexicana a finales los años noventa, retratándola como una urbe perturbadora e  indolente, colmada de personajes profundos que se van transformando para dejar ver su intimidad, que va dejando secuelas de humanidad en el espectador sobre el devenir de la vida moderna, pues en este film, González Iñarritu describe un México moderno que explora los vericuetos de los barrios marginales, las peleas de perros, los amores prohibidos, y las nostalgias de una sociedad que se degrada así misma , alejándose del cine de charros, rancheras, pistoleros, y personajes icónicos como PEDRO INFANTE, CANTINFLAS, JORGRE NEGRETE y CAPULINA entre otros, que fortalecieron la identidad del cine manito en su época de oro.

Amores Perros es una película narrada en una estructura mixta que mezcla tres historias que se unen a partir de un accidente automovilístico,  transitando por diferentes esferas de la sociedad mexicana contemporánea, delimitando las costumbres, la idiosincrasia y los desafíos de sus personajes, que acarrean conflictos que se conectan con ingenio al gran apostolado de una historia  desbordada de emociones, donde lágrimas, pasiones e ironías, fundamentan la mirada de este director apasionado por el drama humano en todas sus formas.  Este  largometraje logró conectar a la crítica y al público de manera simultánea; pues si bien desde la estética y  el montaje se corren riesgos, Amores Perros cuenta una historia dentro del modelo clásico, donde está claramente planteado  el conflicto, la motivación y, el arco dramático en cada uno de sus episodios, cuya puesta en escena es contundente y realista.

La música es otro recurso importante en esta película, pues artistas como Eli Guerra, Nacha Pop y Julieta Venegas participaron, fortaleciendo el cúmulo de sensaciones que acarrean las secuencias apasionadas, dramáticas y desafiantes.

El primer episodio nos muestra la historia de Octavio (Gael García), un muchacho enamorado de Susana, la mujer de su hermano, a quien convence para escapar y resurgir en otra ciudad.  Para lograr este objetivo Octavio lleva a su perro Coffee, un vigoroso Rottweiler a las peleas clandestinas  con el fin de reunir el suficiente dinero para lograr su cometido, pues Valeria está embarazada y teme por la vida del bebé.

Octavio y Susana viven una historia al borde del abismo, una carga emotiva donde se confrontan aspectos éticos, morales y  axiológicos que comprenden una atmósfera violenta donde se pone en pantalla los conflictos de familia, la vulneración y forma de vida, de los sectores periféricos de Ciudad de México, si bien no se refiere directamente al narcotráfico, ni a la drogadicción, sí plantea la clandestinidad como una posibilidad de escapar a los problemas.

El segundo episodio explora la clase media alta con la historia de DANIEL y VALERIA, una pareja de amantes, él casado y con dos hijas, ella modelo, soltera, hermosa, y con ilusiones de matrimonio, que van a desmoronarse una vez, un accidente automovilístico cambie su vida radicalmente, al intentar sacar a su perro Richiee de un túnel que cruza el departamento bajo el lujoso piso de madera, mostrando así la vulnerabilidad del ser humano ante su destino.

El CHIVO y MARU es el último episodio que compone la historia de Amores Perros, cuenta la historia de un ex militante revolucionario que busca el perdón de su hija desde la sombra de la indigencia. La abandonó cuando era un bebé, y necesita que ella sepa que es su padre biológico.  El CHIVO es un personaje indolente y marginado, a quien encargan de asesinar a un empresario, sin embargo sufre la ausencia del amor perdido de su hija, y en medio de esta lucha, se refugia en su jauría de perros con quienes establece una relación de amor y respeto, que colapsan una vez que estos mueran.

En conclusión Amores Perros es una película emblemática, una radiografía de Latinoamérica para el mundo.

GUILLERMO DEL TORO Y LA REVOLUCIÓN ESTÉTICA DE LO SUBLIME.

Luis Felipe Vélez. Profesor tiempo completo – Facultad de Comunicación y Publicidad – USC

Mientras el silencio se apodera de la imagen, emergen entre los escombros los ruidos de la forma, los arquetipos de seres míticamente construidos, de fantasías que caminan con vibrante armonía, de historias que se cruzan en el hacer del día a día. En las películas de Guillermo del Toro, el despliegue conceptual sobre pasa lo técnico, y abordando datos que construyen puentes, surgen ante nosotros ideas y representaciones plagadas de emociones y sentidos. Esta posibilidad de encontrar aquello que no se ve y traerlo al plano de lo real, materializando lo que solo intención es, sobrepasa los juicios lógicos y los dirige hacia un juicio que parte de aquello que place y se sitúa en la reflexión.

A partir de la tradición en la construcción de una identidad, Del Toro asume los referentes clásicos y abre un espacio para que emerja una estética particular en relación con lo sublime. Desde este modo especial de presentar la relación entre mundo y obra, configura un nuevo paradigma distanciándose de las historias cargadas de valor social, comedia o acción/lucha, con una propuesta fílmica que desde sus primeros cortos y ópera prima iría construyendo enfocada en la minuciosidad, el detalle, la combinación de la paleta de colores y la iluminación.

La naturaleza sublime encarnada en el entorno, en los dioses y su condición humana, se revela a través de las cosmologías aferradas fuertemente a la cultura y sus creencias, develando nuestra especie en sus dimensiones, desde aquello que comprendemos, hasta lo que desconocemos y nos aterramos cuando nos hablan de ello. En este sentido, lo sublime en su obra no se mide en magnitudes ni en las extensiones del mar, se centra en lo humano, en la dualidad de pensar una cosa y hacer otra, de enfrentarse a la angustia de la muerte o el vacío de la nada.
“Así, la soledad profunda es sublime, pero de una manera terrible; por lo que las grandes extensiones desérticas han dado ocasión, en todo tiempo, para figurarse allí sombras horribles. Con otro ejemplo: una gran altura es sublime del mismo modo que una gran profundidad, pero la primera va acompañada con la sensación de estremecimiento y aquélla con la de admiración; así, la primera es una sensación sublime-terrible y la segunda noble.” (2007: §23) Las palabras de Kant enmarcan el escenario donde todo habrá de ocurrir y mucho del peso cae en personajes anónimos, que vuelven real la ficción que surge de una idea y que se constituye filme a filme en un referente visual, en un estilo y una estética propia.

La creación y suma de todos estos elementos, sumado a la caracterización de los personajes infantiles, por ejemplo, donde estos se hayan “desposeídos de todo, parecerían estar destinados al olvido, a la ausencia […] A pesar de todo, conservan ese espacio íntimo de ensoñación donde pueden imaginar y resguardar su inocencia frente a la desolación. No se trata de un lugar físico sino del interior, de lo sensible, de la imaginación” (2011:88-89) refuerzan universos particulares que crean una estela, transformando la manera de crear y de articular aspectos imaginativos que se entienden desde el modo en que su cultura, investigación y referentes marcaron en él.

Bibliografía

Rogelio Castro Rocha. Lo fantástico y lo siniestro en Guillermo del Toro, Universidad de Guanajuato 2011

Kant Crítica del juicio, Espasa Calpe, Madrid 2007 Parágrafo 23.