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LA MANSIÓN DE LA ARAUCAIMA

LA MANSIÓN DE LA ARAUCAIMA es una película dirigida por Carlos Mayolo, basada en una obra literaria homónima de Álvaro Mútis, que se escribió con el objetivo de probar a Luis Buñuel que era posible contar historias de terror gótico en las casas antiguas y abandonadas del trópico, de la misma forma que se contaban cuentos de fantasmas que sucedían en los castillos europeos. Buñuel, el célebre director de cine español, no la llevo al cine, pero Mayolo si.

La película fue estrenada en 1986 y deja ver lo mejor del estilo del director Colombiano. Mayolo, quien se destacó a lo largo de su carrera por planos llenos de genialidad, logra en este filme sustentar la tesis de Mutis, sobre el “Gótico Tropical” y la narrativa de terror en el contexto latinoamericano. Al filme de Mayolo habría que sumar los de Luis Ospina, amante del cine de vampiros, como lo demuestra su película PURA SANGRE, de 1982. Ambos directores defienden con sus obras la importancia del cine de género como opción de reflexión artística, logrando tratar todos los ámbitos de la vida, desde la familia, hasta lo político.

Aunque sea frecuente desdeñar el cine de género en favor de una mirada autoral que considera que el género está alejado de la originalidad, directores como Carlos Mayolo o Luis Ospina, supieron encontrar caminos que redefinieron la tradición del cine de terror con su llamado Gótico Tropical. Ni más acertados los unos y tampoco los otros, al final, solo las obras definen cual es el camino acertado. Queda para el recuerdo una película como la MANSIÓN DE LA ARAUCAIMA, escrita sobre un texto literario que motivó un debate entre figuras tan relevantes como Mutis y Buñuel. El filme se cobra vigencia ahora que el canal de televisión Telepacífico, lo incluye en su parrilla de 2020.

SteadiCam

En este articulo vamos a discutir sobre las opciones que existen para los creadores de cine independiente, en estabilizadores para cámaras.

Los Estabilizadores son dispositivos de contrapesos que sirven de ayuda al operador de cámara para tener mejor control al rodar o grabar planos en movimiento.

 

Con la intención de facilitar el trabajo a los camarógrafos, en 1976 Garret Brown inventa un dispositivo para cámaras de cine que le permite hacer planos llevando la cámara en la mano, sin que se note ninguna vibración. Lo llamó Steadicam y fue registrado por la compañía Tiffen.

Se usó por primera vez en la película estadounidense de 1976, Rocky, escrita y protagonizada por Sylvester Stallone y dirigida por John G. Avildsen, en la que el mismo Garret Brown trabajó como camarógrafo. Un poco después, tras la publicación del libro El resplandor de Stephen King, el director de cine Stanley Kubrick decide hacer la adaptación para pantalla grande y utiliza el Steadicam en algunas escenas. Fue así como se popularizó el uso de este dispositivo.

La Steadicam puede soportar un peso que oscila entre 12 y 70 libras, en sus distintas presentaciones, con un valor entre US$7,000 y US$66,000. Hoy en día existen diversas marcas, que le ofrecen a los creadores de cine independiente, unas opciones más económicas y de buena calidad. Entre estas se encuentra Bassom Steady System, una compañía argentina fundada en 1997, que se encarga del ensamble, fabricación y diseño de estabilizadores para cámaras profesionales. Igualmente se encuentra Proaim, una marca india de 2004, cuyos estabilizadores llevan el nombre de Flycam.

Asumiendo que las cámaras que utilizan los creadores de cine independiente no son tan pesadas, les invitamos a probar las dos opciones de bajo costo antes mencionadas, orientadas a responder a las necesidades de cámaras de hasta 12 libras. En la marca Bassom Steady System el valor más económico para este peso es de US$ 4,620. En Proaim el valor es de US$1,750. Sin embargo, además del peso, son las necesidades creativas de quien produce, las que juegan un papel importante a la hora de elegir marcas y tipos de estabilizadores. Para mayor información visite:

http://www.bassonsteady.com.ar/shop/categorias.asp?id=1
http://www.proaimshop.com/pas/Flycam-stabilization-systems/

Les compartimos una de las escenas de la película El resplandor, en la que se hizo uso del Steadicam.

LAS MEJORES PERSECUCIONES

Acelerador a fondo, se puede ver al enemigo por el retrovisor, la tensión se eleva, la adrenalina fluye y recorre el cuerpo, el ritmo cardíaco aumenta. Cosas que sentirías si fueras parte de una persecución. Por eso les traemos el recuento de las mejores persecuciones en el cine, según la crítica.

En 1979, George Miller estrena la pelicula “Mad Max”, protagonizada por Mel Gibson y considerada por Quentin Tarantino como la película que revolucionó la manera de ver las persecuciones en el cine, una película llena de acoso y hostigamiento a altísimas velocidades en carreteras australianas.

“Ronin” del director estadounidense John Frankenheimer, es otra de las películas en la cual podemos ver a Robert De Niro y al francés Jean Reno protagonizando las persecuciones más espectaculares. Ahí los autos explotan y vuelan por los aires mientras los transeúntes huyen para no ser atropellados.

Sin embargo, la persecución más adorada por la crítica se puede apreciar en el filme de accion “Bullitt” de Peter Yates, en la cual dos de los Muscle Cars más amados en los Estados Unidos (Dodge Charger y Chevrolet Mustang), se ven envueltos en un escalofriante hostigamiento. Estos efectos han sido muchas veces homenajeados y parodiados en la industria del cine.

 

45 minutos, es el tiempo que dura la que podría ser la persecución más larga en la historia del cine, la cual se aprecia en la película “Gone In 60 Seconds”. Según la crítica, esta película protagonizada, escrita y dirigida por H.B. Halicki es también una de las mejor calculadas y más reales de la historia del cine.

CINEMASCOPE

En los años 50, Henry Chrétien crea el Anamorphoscope, rebautizado por la 20th Century Fox como Cinemascope. Una de sus peculiaridades era la utilización de lentes anamórficos que comprimían la imagen verticalmente en el negativo.

En ese tiempo los filmes se rodaban en formato 1.33:1 o sea el famoso 4:3, Entonces con el Cinemascope, aparecieron los primeros cines con pantalla rectangular, donde se podían apreciar muchísimos más detalles que en la pantalla tipo 4:3.

Para eso utilizaron lentes anamórficos u objetivos Hypergonar que comprimen la imagen en el negativo, y que luego, al proyectarla con una lente contraria sobre una pantalla cóncava, la imagen se veía en sus proporciones reales (formato 2.66:1 en Cinemascope, y actualmente más o menos 2.35:1).

Con el paso del tiempo ya no era necesario utilizar la pantalla cóncava ya que se perfecciono este sistema para que fuese proyectado sobre la pantalla plana que disfrutamos ahora.

Así pues, la imagen que se comprimía en el negativo tenía mayor resolución y era mas grande al descomprimirla.

por otro lado, en las películas sin formato anamorfico, a veces se tomaba la imagen completa del negativo (Sin comprimir) y se le implantaban dos barras negras arriba y abajo , así, se obtenía también un formato panorámico pero las barras negras antes mencionadas le hacían perder resolución al film.

 

La primera película estrenada en CinemaScope fue THE ROBE (LA TUNICA SAGRADA, 1953), producida por la 20th Century Fox, dirigida por Henry Koster e interpretada por Richard Burton y Victor Mature.

FAMOSOS VESTIDOS DE CUERO

 

Sensualidad, elegancia, elasticidad y rebeldia son algunas de las palabras que se te vienen a la mente al escuchar la palabra cuero. Proveniente del latín Curium (Piel curtida de animal), se cree que el cuero data de la prehistoria, ya que existen pruebas de que los primeros hombres tenían el conocimiento necesario para procesar el cuero de los animales que cazaban y consumían.
A lo largo de la historia muchas son las estrellas y personajes del mundo del cine que utilizan cuero en sus películas y convirtieron sus trajes en iconos.
A continuacion algunos ejemplos:

James Dean en REBELDE SIN CAUSA con su chaqueta de cuero negro.

La chaqueta con logos alusivos a la Fuerza Aérea Estadounidense utilizada por Tom Cruise en TOP GUN.

La hermosa chaqueta de cuero de serpiente utilizada por Nicolas Cage en CORAZON SALVAJE.

La sensualidad salta a la vista con el inolvidable traje de cuero completo de todas las versiones de Gatubela (Michelle Pfeiffer,Halle Berry, entre otras), este se ha convertido en un icono sensual y sexual.

Los despampanantes trajes de cuero negro y rojo utilizados por Jennifer Garner y Ben Affleck en ELEKTRA y DAREDEVIL

Los trajes de batalla de los X-MEN, resistentes a cualquier imprevisto.

Y no podía faltar el traje de cuero amarillo utilizado por Uma Thurman en KILL BILL, inspirado en el maestro de artes marciales Bruce Lee

FOLLOWING, OPERA PRIMA DE CHRISTOPHER NOLAN

Dark Knight Rises

Desde sus primero momentos como director de largometrajes, Christopher Nolan dio muestras de ser un creador dotado de talento excepcional. Así lo deja ver su opera prima, FOLLOWING (1998), rodada en blanco y negro, en formato de 16 milímetros y con un irrisorio costo de seis mil dolares. Bien recibida por la crítica, la película marcó los derroteros que han caracterizado las siguientes obras del Director.

Lo primero para destacar en FOLLOWING, es la elección del suspense como terreno de experimentación. Nolan se mueve con libertad en este campo, sabiendo imprimir a su cine, un tono trascendental que cautiva al espectador. Ello le deja abordar temáticas de entretenimiento, que sabe convertir en dramas con profundidad trascendental, como en ORIGEN (2010) o EL PRESTIGIO (2006).

Es relevante su manejo del montaje. En FOLLOWING es Nolan quien ejerce como editor. El resultado es una linea de tiempo deconstruida, que logra mantener expectante al espectador. En ella, las escena no están completas hasta que algún detalle procedente del pasado o del futuro, cierra el círculo del relato.

FOLLOWING es un ejercicio de producción de bajo costo, que muestra un Christopher Nolan habilidoso para las finanzas. Tal cualidad le ha permitido definir el tipo de películas que hasta le fecha ha llevado a la pantalla. Su talento como productor, unido al arte que imprime a su cine, le facilita ser un creador independiente, en el universo de una industria que antepone la taquilla, a cualquier otro valor.

BILL VIOLA, EL EJEMPLAR

Bill Viola es un vídeoartista que por más de cuatro décadas ha creado obra usando los medios audiovisuales para plantear asuntos tan cotidianos y trascendentes, que consigue para tocar al de público con sus propuestas. Buena parte de su impacto radica en la sencillez de las imágenes que construye, logrando con pocos elementos, transmitir una profundidad conceptual que otros resolverían de manera diferente y quizás menos acertada. Es por eso que se convierte en un referente para quienes se plantean dedicarse al oficio de artistas audiovisuales.

Obras como LA PISCINA REFLECTANTE (1977-1979) o EL ENCUENTRO (2012), demuestran que la economía en el uso de elementos compositivos es el mejor aliado para la expresión de conceptos complejos. El primer caso plantea la disociación del tiempo y el espacio. Para conseguirlo se vale de una sola posición de cámara y un único personaje, que lleva a cabo solo una acción, en un único escenario. Por su parte EL ENCUENTRO, que trata sobre caminos paralelos que se cruzan, se produce de manera similar a la pieza ya mencionada, la diferencia más relevante es el empleo de dos personajes a cambio de uno. Más allá de este detalle y a los ojos de aprendices en busca de modelos de producción exitosos para la consecución de piezas de vídeoarte, ambas saben expresar ideas y sensaciones con recursos materiales ajustados.

Son tres los aciertos ejemplares de Bill Viola al producir las dos obras citadas. El primero sería que cada una sucede en un solo escenario, el siguiente que emplea máximo dos personajes por cada pieza y por último que los personajes solo desarrollan una acción, es decir que en EL ENCUENTRO, solo caminan con la finalidad de encontrarse y en LA PISCINA REFLECTANTE, la acción es saltar a la piscina. Este tipo de obras dejan claro que cuando la técnica no excede las capacidades del autor, éste puede dedicarse a robustecer el contenido.

CINE DE ÉPOCA Y PRECISIÓN HISTÓRICA

cree con frecuencia que en el cine de época, la dirección de arte y el diseño de producción, deben crear estéticas que reconstruyan de manera fidedigna la realidad histórica en la cual se sitúa la narración. Sin embargo, cuando se trata de ficción, la subjetividad del equipo creativo siempre se impone, más aún cuando, el objetivo principal de buena parte de estas películas, es ser atractivas a un gran número de espectadores. Por encima de la exactitud, se busca la verosimilitud, es decir, que aunque no sea cierto lo que se muestra, parezca verdadero.

La objeción se presenta cuando se supone que para buena parte del público, el único y más impactante contacto con el período histórico en cuestión, será la película. Es decir que aunque no haya un contrato firmado en favor de la precisión historiográfica, si existe un tácito compromiso con la reconstrucción de cierta clase de realidades, que de no ser por el cine, quedarían para siempre en el olvido. ¿Donde está entonces el punto de equilibrio? ¿Hasta donde ser verdaderos y hasta donde verosímiles? El departamento de maquillaje y peinados, puede tener la respuesta. 

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El caso de M*A*S*H (1970) del director Robert Altman, ejemplifica la forma de obtener el equilibrio entre la precisión y verosimilitud. El film ilustra la vida de un hospital de guerra en el conflicto de Corea, durante la década del 50, pero con una mirada contracultural de los años 60. Ello implica que la guerra no es considerada como la oportunidad ideal para la glorificación del heroísmo, si no que es mostrada en un tono irónico propio de jipismo y el pacifismo. Así que, aunque los decorados se ajustan al momento histórico en el cual sucede la narración, es decir la década del 50, los peinados son los que llevarían las personas de los años 60. De esta manera se logra que una comedia de época, se acerque a la realidad del público para el cual ha sido pensada.

EL OFICIO DEL DIRECTOR – ROMEO Y JULIETA DE BAZ LUHRMANN

En 1996, el director australiano Baz Luhrmann estrena su versión de la tragedia Romeo y Julieta, escrita por Wiliam Shakespeare en 1597. Con ella consigue un importante éxito de taquilla y se distancia de la habitual tendencia de revisar este tipo de piezas teatrales con el ánimo de hacer una reconstrucción histórica en la cual supuestamente suceden los hechos contados en la obra original. En 1996, el director australiano Baz Luhrmann estrena su versión de la tragedia Romeo y Julieta, escrita por Wiliam Shakespeare en 1597. Con ella consigue un importante éxito de taquilla y se distancia de la habitual tendencia de revisar este tipo de piezas teatrales con el ánimo de hacer una reconstrucción histórica de la época. Luhrmann opta por transportar la acción a tiempos presentes, pero sin alterar los textos compuestos por Shakespeare. Reinterpreta de lo que podría llamarse cultura urbana de los años noventa. Ubica a los personajes en una ciudad mestiza de la América del Norte, donde se mezclan todo tipo de etnias con sus respectivas manifestaciones musicales, gestuales, incluso su forma de vestir, dando testimonio de un nuevo tipo de cultura de frontera, que habla en inglés, sin ser púramente anglo, aunque el drama que representan, sea el del gran escritor británico por excelencia, Wiliam Shakespeare.

Con su versión del clásico isabelino, ROMEO Y JULIETA, Baz Luhrmann entiende y asume, que en su gran mayoría, el público responde a necesidades primarias. Así, las escenas de contenido violento, como las de tono erótico o las de intensa carga emocional, son usualmente las más llamativas. Aunque la esencia de la tragedia Shakespereana sea el primer amor, ésta forma parte de un contexto violento y conflictivo. En Shakespeare la agresividad se manifiesta tanto en el lenguaje, como en el uso de espadas y puñales, en Luhrmann, el lenguaje se mantiene y el acero afilado muta en pistolas. Luhrman comprende que para conectar con el público de finales del siglo XX, debe traducir la acción los tiempos actuales, pero no las palabras escritas por el autor inglés. Supone entonces que lo arcaico está en el gesto y en la apariencia, más no en la oralidad de la obra teatral.

Es por eso que la película invierte ingentes esfuerzos en la dirección de arte y el diseño de producción. Es la apariencia, el contexto de la película el que debe ser actualizado, no los textos. Los cinéfilos del año 96, vieron cómo un australiano interpretaba mejor que nadie la mezcla surgida de la convivencia entre anglos, latinoamericanos y afrodescendietes. Luhrmann estiliza y no hay duda que su labor es casi testimonial y fotográfica. Su película entiende como nadie a los adolescentes que viven del primer amor, los del siglo XIV y los del XX y lo expresa con las mismas palabras, pero en mundos diferentes.

Con ROMEO Y JULITA, Baz Luhrmann es grande como director porque comunica y expresa sin que ninguna de las dos actividades pierda importancia. Comunica porque sigue sin prejuicios el devenir de la estructura construida por Shakespeare, al asumirla, es libre para experimentar con el montaje, sin que por ello se afecte la narrativa ni la claridad de las acciones. Expresa en la medida en que pertenece a su tiempo y es consciente de ello. Por eso entiende el sincretismo cultural y lo manifiesta de forma estética, llegando casi al nivel de un cine antropológico, desde la ficción.

FUTBOL Y CINE

En estos días cuando todo lo que se ve, se oye y se siente tiene que ver con el deporte más popular del mundo, queremos hacer una lista de películas cuyo tema central es el balonpié.

 

GOL! (2005)

Dirigida por el Ingles Danny Cannon, es una película donde el sueño de un joven inmigrante de convertirse en un jugador importante, se ve materializado cuando es contratado por el Newcastle United. En el año 2007 se lanzó la secuela de este filme deportivo.

 

HOOLIGANS (2005)

Protagonizada por Elijah Wood y dirigida por Lexi Alexander, una película violenta que se adentra en el mundo de los Hooligans y sus formas de vida.

 

MEAN MACHINE (2001)

Años después del estreno, Peter Segal dirigiría THE LONGEST YARD, lo que sería la versión americana de este film, Protagonizada por Adam Sandler, esta vez con Futbol Americano.

 

SHAOLIN SOCCER (2001)

Dirigida por Stephen Chow, esta película china une lo increíble de las artes marciales aprendidas por los monjes Shaolin y la belleza del balonpié.

 

LOS COLORES DE LA MONTAÑA (2010)

Película realizada en Colombia en colaboración de Panamá, dirigida por Carlos César Arbeláez.

Manuel es un niño de 9 años, que como cualquier niño, ama jugar al fútbol con sus amigos. Un día su balón cae en un terreno plagado de minas anti-persona colocadas por guerrilla y paramilitares. Ese balón y el deseo de Manuel y sus amigos de recuperarlo, se convierte en el símbolo perfecto para describir lo que se vive en muchos pueblos Colombianos.

 

EL PARTIDO (1999)

Los dos únicos bares que existen en un pueblo llamado Inverdourne se pelean la clientela. Uno, es un bar que acoge a los habitantes menos pudientes del pueblo, el otro, es el lugar donde los más acomodados van a disfrutar de una cerveza. Al ver que uno se roba los clientes del otro y viceversa, deciden arreglar la disputa de la mejor manera, con un partido de fútbol.