Variedades

LO MEJOR DEL TERROR

POR: Andres Vallecilla Jaramillo

Esas películas que al verlas, dejan la sensación de no estar seguro en ninguna parte, esas que aceleran el corazón y hacen transpirar, esas que hacen sentir un frio que recorre la espalda y hacen gritar en todo momento. Esas son las mejores y hoy las traemos para deleite (o espanto) de ustedes.

 

PSICOSIS

No se puede hablar de terror sin traer a colación al señor Alfred Hitchcock, esta eminencia del cine de suspenso es el creador de infinidad de filmes que en su momento causaron pánico a los espectadores.

PSICOSIS es una de las películas mas representativas del cine de terror, recordada por la escena de la ducha, donde la protagonista es asesinada a cuchillo apenas en la mitad de la cinta.

La actuación de Anthony Perkins como Norman Bates se lleva los aplausos y la cinta hace lo propio por su guion, música, interpretación y puesta en escena.

 

EL EXORCISTA

Joya del terror y punto de referencia al hablar de este. EL EXORCISTA sin duda, es una de las películas que mas acelero el corazón de los espectadores, la banda sonora , el maquillaje y la actuación de Linda Blair como Regan McNeil son inigualables. Basada en hechos reales y con escenas espeluznantes, EL EXORCISTA es uno de los films mas aterradores de la historia del cine.

¿Como no recordar esta escena?

 

EL ARO

¿Quien no tembló de miedo al escuchar el teléfono después de ver este film? ¿quien no recuerda a esa niña de cabello negro y largo que sale del televisor?.

EL ARO, remake de su homónimo japones, fue una de las películas mas aterradoras de la ultima década, en la que ver un misterioso video, ponia fecha a tu muerte en 7 dias.

Su lenguaje visual y la forma en que en cada uno de sus 115 minutos, te tiene al borde de la silla esperando lo que viene a continuación es excepcional.

Te atreves a verlo?

 

EL RESPLANDOR

Stanley Kubrick logró darle un significado visual a la esquizofrenia con este film, plasmó completamente la historia del escritor Stephen King en el negativo, de tal forma que nos puso la piel de gallina y nos provoco pesadillas por días con escenas que; si se puede decir, son unas de las mas impactantes del cine de terror.

Cabe resaltar también la majestuosa actuación del gran Jack Nicklson, su rostro expresivo, su voz espeluznante y su naturalidad, le dan ese aire de maldad a su personaje.

Como no recordar esa frase aterradora, ¡Aqui esta Johnny!

 

IT, EL PAYASO

Otra de las obras maestras de Stephen King llevada a la pantalla y la causa de fobias de muchos niños, jóvenes y hasta adultos hacia los payasos, sin duda una de las películas mas recordadas por muchos y no es por menos. El miedo constante a que el payaso Pennywise salga de la alcantarilla mientras te bañas es algo aterrador.

Este film marco la vida de niños y jovenes de los años 80/90, pues al ser una película para T.V, con actores no muy conocidos y de muy poco presupuesto, causo gritos y palpitaciones como ninguna otra.

 

POLTERGEIST

Todo comienza cuando la mas pequeña integrante de la familia hace contacto con los espíritus a través del televisor.

Tan espeluznante es la cinta, que incluso se ha dicho que tiene una maldición, pues se le atribuye la muerte de 4 de los actores que participaron en la saga

Heather O`Rourke, Carol Anne en la saga, falleció con 12 años en 1988, victima de estenosis.

Dominique Dunne, Dana (la hermana mayor), murió al ser estrangulada por su pareja.

Julian Beck, el Reverendo Kane en la segunda parte, murió en 1985 por un cáncer de estómago, durante el rodaje de la misma.

Will Sampson, que interpretó a un brujo llamado Taylor en la segunda parte, y que afirmaba ser chamán en la vida real, murió en 1987 por complicaciones en un trasplante de corazón y pulmón.

 

LA MALDICIÓN

Una serie de cuatro películas de terror del director japones Takashi Shimizu, que hizo gritar a mas de un espectador.

Y es que ese niño blanco con sus penetrantes ojos negros hacia temblar a cualquiera, sin duda una película atemorizante llena de escenas que ponen los pelos de punta.

YUMA, EL TREN DE LAS 3:10

EL TREN DE LAS 3:10 es una revisión del clásico del mismo nombre, estrenado en 1957 y en el que Glen Ford interpreta al villano y Van Helflin representa al hombre bueno que intenta llevarlo ante la justicia. En la versión de 2007, los roles principales están a cargo de Russel Crowe y de Christan Bale y está dirigida James Mangold, quien es maestro en el cine de acción porque sabe imprimir al drama fuertes contenidos emocionales.

El tema de la película, EL TREN DE LAS 3:10, es la dignidad a cualquier costo. Este tópico, que está presente a lo largo de toda la proyección, pone la obra en un nivel diferente al de otras cintas del género. Cuenta con un protagonista para quien las variables económicas pasan a segundo plano, porque considera que su voluntad no puede medirse con dinero. Lo interesante de la película es que el villano comparte su misma visión y por eso el film se sale de la media. Al final, el verdadero antagonista es la sociedad, que no logra comprender el lenguaje que sostiene la relación entre ambos personajes, quienes serán aliados, pero sin perder la voluntad de someterse entre sí. Simplemente y sin decirlo de forma directa, los dos coinciden en la necesidad de defender los ideales que compensan sus falencias emocionales. En EL TREN DE LAS 3:10 , la dignidad es el valor que completa el mundo del Oeste Americano.

 

 

¿QUE ES UN DOLLY?

POR: Andres Vallecilla Jaramillo

Un Dolly es una herramienta cinematográfica que facilita el trabajo del Travelling:desplazamiento frontal o lateral. Consiste en un plataforma movible, ya sea a través de rieles o ruedas de caucho. A veces se utilizan sistemas de grúa encima de los Dolly para hacer tomas en picado.

Es manejada manualmente o a través de motores activados a control remoto por un maquinista experto. En esta plataforma es ubicada la cámara que es operada por el camarógrafo y el primer ayudante, este ultimo, también llamado foquísta, se encarga de manejar el aro focal ya que el operador de cámara debe tener toda su atención puesta en el movimiento de la cámara.

Los Dolly de estudio son grandes, estables y, en ocasiones, tienen suspensiones hidráulicas. Estos son la primera opción cuando se usan cámaras profesionales, tanto en estudio como en exteriores, los Dolly ligeros son más simples, más económicos y permiten un mejor manejo con cámaras de menor peso. Los cineastas independientes y los estudiantes suelen optar por este tipo de sistemas porque son más fáciles de utilizar.

En cuanto a los rieles o raíles, los utilizados para cargar cámaras pesadas pueden estar hechos de acero o aluminio ya que soportan mas carga, Los raíles de plástico se utilizan con un equipo más ligero. A principios del siglo XXI, las vías de goma flexibles permitían que se montara el equipo con más rapidez y que se transportara con más facilidad para su utilización con cámaras ligeras.

Como es costumbre y pensando en las persona interesadas en hacer cine independiente, dejamos un vídeo/tutorial de ¿Como hacer un Dolly?

POR: Andres Vallecilla Jaramillo

¿QUE ES UN CAMERA CAR?

POR: Andres Vallecilla Jaramillo

Un Camera Car es una camioneta con una plataforma adecuada para la filmación de escenas en automóviles o escenas de persecuciones. Esta plataforma está equipada con una planta generadora de electricidad, la cual alimenta los equipos de filmación, dispone de anclajes para fijar el trípode y así, evitar movimientos y accidentes indeseados.

En ocasiones se hace necesario ir más cerca de lo habitual al automóvil que se quiere filmar o grabar. Entonces se engancha una plataforma a la parte trasera del Camera Car, un Process Trailer y en él se coloca el vehículo que se quiere registrar.

Ademas de esto, se utilizan estructuras o Rigs, para fijar las cámaras al automóvil, que a veces están hechas con poderosas ventosas. Se utilizan prácticamente en toda película donde se vayan a hacer tomas de un automóvil o películas de persecuciones en autos

Ventajas y desventajas:

Según Alberto Triano, Realizador y Fotógrafo Español,Las ventajas que veo a simple vista son la libertad de movimiento del vehículo, porque puedes pasar de un plano lateral a uno frontal con total libertad, algo totalmente impensable sobre raíles o rieles. Otra ventaja es la rapidez de montaje frente a la instalación de un travelling sobre raíles y por último destacar la velocidad que se puede alcanzar con este sistema.”

Como inconvenientes menciona el problema del sonido, “el ruido del motor ensucia mucho la secuencia en caso de necesitar un sonido directo, limitando bastante las posibilidades. En el aspecto visual veo un problema fundamental, el tiro de cámara, la situación tan elevada te obliga a tirar planos picados, esto puede subsanarse en situaciones más particulares donde esté previsto este problema mediante una grúa instalada en el Camera Car o una ruta que discurra en un plano inferior al del objetivo.”

Para el cine independiente pensar en herramientas de filmación como los Camera Cars parece una cuestión imposible. Sin embargo la inventiva y el talento de los profesionales del séptimo arte encuentran soluciones donde parecen inexistentes. El vídeo que a continuación mostramos es ejemplo de ello. En él se cuenta como hacer un montaje o Camera Rig, para filmaciones en automóviles: todo sin quedar arruinados de por vida.

 

POR: Andres Vallecilla Jaramillo

PARQUE JURÁSICO, MISIÓN IMPOSIBLE Y LAS SAGAS

Los meses de junio y julio de 2018 vieron el estreno de dos nuevas entregas de las series MISIÓN IMPOSIBLE y PARQUE JURÁSICO. Ambas conservaron las características necesarias para formar parte de los géneros a los que pertenecen y también para ser exponentes de las sagas en las que están inscritas. MISIÓN IMPOSIBLE es desde los primeros instantes de proyección, una fiel exponente del género de espías. El solo saludo entre personajes, que se comunican por medio de claves conocidas por un reducido grupo de los iniciados, lleva al espectador al universo de las organizaciones clandestinas de la guerra fría. Con PARQUE JURÁSICO la sensación es similar, con pocos minutos de proyección, se sabe que se está frente a una película de aventuras. La verdad, nada nuevo, estos son dos géneros de los cuales se estrenan frecuentemente películas. ¿Entonces qué amerita escribir sobre ellas?

Juan Antonio Bayona, el director de PARQUE JURÁSICO: EL REINO CAÍDO, hace gala de un dominio del oficio que sorprende por su estilo refinado y por conseguir hacer pensar que desde la forma como encuadra, la película se levanta sobre el mito que Steven Spielber puso en marcha en los años 90 del siglo anterior. Lo suyo no es copia, es asumir el lenguaje audiovisual distintivo de la serie.

Por su parte Christopher MacQuarrie, quien dirige MISIÓN IMPOSIBLE : FALLOUT, se vale de su talento como guionista, para orquestar un filme en el que los giros narrativos son una constante, haciendo de la obra una de las más destacada de este género. Se entiende el fuerte impacto que esta película causa en el público, cuando se recuerda que MacQuarrie, fue coautor del clásico del suspenso LOS SOPECHOSOS HABITUALES (1995). Esta entrega de MISIÓN IMPOSIBLE es una combinación entre lo mejor del cine de intriga, con lo más espectacular de cine de acción. Sin embargo la calidad de ambas películas no es la más importante de sus cualidades.

Cuando una saga consigue mantener alto su nivel de calidad, al tiempo que conserva una estrecha relación con el público, se convierte en un fenómeno social que produce una importante sensación de estabilidad en las audiencias. Ante la incertidumbre de la vida en sociedad, que somete a los ciudadanos de la mayoría de países del mundo a frustraciones económicas y políticas, el cine, así como la tragedia para los griego de antaño, es la ruta para expiar los dramas sociales. Por eso el público acude de forma masiva a ver esta clase de películas. No es solo porque sean entretenimiento y ruido, lo que se oculta tras ellas, son algunas de las más profundas incertidumbres de la sociedad.

BIRDMAN

BIRDMAN es la película de Alejandro González Iñárritu estrenada en 2014 y que raya la maestría por la conjunción entre la historia escrita y su puesta en escena. La obra fue un éxito tanto de crítica, como de taquilla, sin que por ello su visión autoral se viera limitada. BIRDMAN es un análisis profundo de la naturaleza humana y un ejercicio de experimentación audiovisual que logra hacer honor a la idea del cine como espectáculo.

El director crea una ilusión de realidad en la que la cámara es protagonista. A ojos del espectador, ésta nunca deja de registrar imágenes, como si rodara un plano secuencia ininterrumpido, como si estuviera afirmando que la vida solo se detiene cuando termina. Esta realidad ficticia se confunde con la realidad real cuando Michael Keaton, el actor que interpreta al personaje principal y que alcanzó la fama, décadas atrás, gracias a su interpretación de Batman, representa ahora a otro actor, a quien le ha sucedido algo similar y trata que de recuperar la visibilidad perdida.

La pregunta sobre lo que es real o no, se replantea al situar la acción en el mundo del teatro. González Iñárritu sigue al protagonista mientras ensaya, sin que haya interrupción, lo acompaña en su cotidianidad y luego va con él hasta el escenario, ante el público. No hay una barrera que separe los tres universos, realidad, ensayos y espectáculo, no hay cuarta pared. La película hace pensar que la realidad es una sola y que gracias al cine, ésta no es lo que se vive, si no lo que se muestra.

 

NOVECENTO, EL PADRINO Y LOS AÑOS 70

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NOVECENTO, estrenada en 1976, es una película marcadamente definida por el contexto histórico en el que fue producida. A mediados de los años 70 el modelo de la Unión Soviética demostraba ser viable, respondiendo a las expectativas creadas desde su implantación en las primeras décadas del siglo XX. La película expresa la utopía de las clases campesinas por tener acceso a la tierra y condiciones igualitarias, respecto a las clases aristocráticas y por momentos raya en niveles de propaganda, aunque por el gran manejo del oficio del director Bernardo Bertolucci, la situación evoluciona sin contratiempos.

NOVECENTO no es un hecho aislado. Por los mismos años, Francis Ford Coppola, lleva a cabo las dos primeras partes de la trilogía del PADRINO, la primiera en 1972 y la segunda en 1976. En ellas se trata el drama de las comunidades inmigrantes italianas en los Estados Unidos. Éstas, no se encuentran excluidas de los beneficios del capital, pero si de los derechos que cobijan a los nacidos en el país del norte. Si la obra de Bertolucci cubre la primera mitad del siglo XX, la de Coppola comienza donde esta termina, cuando los Estados Unidos gozan de la gran prosperidad de la posguerra, por haber sido una de las dos superpotencias ganadoras de la contienda. Por eso es que el problema en EL PADRINO no es la pobreza, si no la carencia de derechos.

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Ambas películas se convierten en textos fílmicos icónicos de los contextos que tratan y ambas tratan temas relacionados con Italia. La diferencia radica en que el modelo analizado por NOVECENTO, ha quedado relegado a grupos de cinéfilos minoritarios, por que la utopía que defiende, no tiene ya una concreción real, como sucedía en décadas anteriores. Por el contrario, el modelo mafioso que muestran las películas del PADRINO sigue vigente, porque la delincuencia sigue presente en los Estados Unidos y el resto del planeta. Sin embargo, cuando la mirada del amante del buen cine se posa sobre la película de Bertolucci, saltan a la luz todo tipo de cualidades que hacen de NOVECENTO una obra imperecedera.

2016, CINE EN LA MEMORIA

Termina el 2016 y el cine sobre superhéroes fue la piedra angular en la taquilla. Quizás se deba a que el mundo sigue inmerso en fuertes crisis y el deseo de encontrar figuras salvadoras, hace que este tipo de películas sean las más buscadas por los espectadores. Esta tendencia, que comenzó con la llegada del nuevo siglo, no parece aminorar su empuje y por el contrario evoluciona, experimentando con facetas distintas entorno al mismo tema.

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Serán películas para recordar dentro del género de superhéroes, obras como BATMAN VS SUPERMAN de Zack Snyder, DEAD POOL de Tim Miller o SUICIDE SQUAD de David Ayer. Pero la que sin duda será notable por su calidad, es DOCTOR STRANGE, dirigida por Scott Derrickson, quien supo dotar al film de una profundidad de contenidos, no vista en el género durante los últimos tiempos.

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Por otra parte, 2016 trajo el estreno del film de ciencia ficción, LA LLEGADA del canadiense Denise Villeneuve. Esta obra es importante por que permite que la relación entre los humanos y los extraterrestres no sea por medio de las armas, si no empleando palabras y lenguaje escrito, todo ello acompañado de la inquietante música de Jóhann Jóhannsson.

Para cerrar esta mirada al 2016, hay que mencionar a CAFÉ SOCIÉTY, la película de Woody Allen, una propuesta situada en la otra esquina del cine más taquillero, pero no por ello distante del espectador. El film trata sobre el amor y su imposibilidad de olvido. La fotografía está a cargo de Vittorio Storaro y como detalle novedoso, en el caso del director, está grabada en formato digital. Con más de 80 años, el Woody Allen demuestra que la sencillez y el refinamiento en el quehacer cinematográfico, son una constante de sus trabajos más recientes.

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ACCIÓN DRAMÁTICA Y MOTIVACIÓN

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Cuando se intenta explicar a un grupo de estudiantes de cine o de algún taller audiovisual, conceptos como acción dramática y motivación, se corre el riesgo de generar confusiones.
Para hacer claridad, se puede tomar el ejemplo del CONDE DE MONTECRISTO, en su adaptación del año 2002, dirigida por Kevin Reynolds. En ella Edmond Dantes, se lanza a una cruzada para minar el prestigio de su antiguo mejor amigo Fernand Mondego, quien lo traiciona, confinándolo al presidio, al tiempo que seduce a su novia, haciéndola su mujer. Así las cosas, Dantes escapa, se hace ducho en las artes de la lucha y se convierte en un hombre rico y poderoso. Su motivación es la venganza y su acción dramática, será retomar el lugar que le corresponde en la sociedad, para luego acabar con el buen nombre de su enemigo, demostrando que se trata de un ser ruin y deshonesto.

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Con frecuencia el elemento que cuesta más identificar es la motivación, mientras que la acción dramática salta a vista. El primero, la motivación, es la razón de ser de la acción y requiere de algo más de análisis para salir a la luz. Jugar a encontrar elementos fundamentales para la estructura de un relato, ayuda a que el estudiante aplique el mismo rigor cuando se enfrente a sus propios proyectos. De esta forma sus propuestas tendrán una lectura superficial y otra profunda.

WALTER MURCH, HOMBRE DEL PÁRPADO Y EL BISTURÍ

walter-murchPara los cinéfilos consumados, Walter Murch se escuentra vinculado a proyectos de grata recordación y de culto. Desde sus épocas de estudiante entabla amistad con dos de las figuras emblemáticas del movimiento cinematográfico del sur de California durante los años 70, Francis Ford Coppola y George Lucas. Al punto de ser su hombre de confianza para editar, en el caso de Lucas, THX 1138 (1969) y AMERICAN GRAFFITI (1973) y en el de Coppola, EL PADRINO (1972), LA CONVERSACIÓN (1974), siendo también el responsable del montaje de sonido de APOCALYPSE NOW (1979) y del PADRINO II (1974). american-graffiti-51756a972c0a9_zps777b99daDe épocas más recientes habría que mencionar la edición de la película dirigida por Anthony Minghela, EL PACIENTE INGLÉS de 1996 y de 2015, un film de ciencia ficción llamada EL MUNDO DEL MAÑANA, protagonizado por George Clooney y dirigido por Brad Bird. Murch ha recorrido el mundo del cine sin rehuir ningún género, dejando su sello en cada proyecto que ha participado, casi una treintena de títulos, en una carrera que continúa en plena actividad.

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Pero más allá de los aporte hechos a los proyectos en los que ha participado, Walter Murch es conocido por un brillante libro que se ha convertido en obra de referencia para académicos y profesionales del cine. Su título es EL MOMENTO DEL PARPADEO, publicado en 2001 y en el se sostiene que cada parpadeo es un corte que hacen las personas a la realidad y al mundo perceptible que miran y en el que se mueven. La idea es de tal trascendecia que hace pensar que la realidad no es más que otra película y que cuando se entra a una sala de cine, simplemente se está saliendo de una ficción, para entrar en otra.