BUSCA POR DENTRO es el documental de Marino Aguado y César Gávis sobre Jairo Varela. Varela fue hasta su muerte el líder del Grupo Niche, agrupación dedicada a la Música Salsa y que en vida de su director, alcanzó altos niveles de popularidad. Aunque el documental se estrenó en 2016, cobra vigencia cuando circulan por las redes versiones de las canciones del grupo versionadas de maneras novedosas, que llevan el legado del también compositor a nuevos públicos, sin dejar de conmover a los ya cautivos.

Días atrás, en conversación sostenida con Marino Aguado sobre su documental y en respuesta a la pregunta sobre qué lo había motivado a dirigirlo decía que “ estábamos con Cesar Gálviz y recordamos la música de Jairo Varela, tomamos una cámara y comenzamos a grabar… eso fue hace como 8 años. Y…y empezamos a grabar y se acabó la plata y cuando estuvimos en el Canal, donamos el material, se buscó y se encontró le dinero que faltaba y se terminó de producir… Es una cuestión de caleñidad, un arrebato caleño.”

Aguado, actual Director de Producción del Canal de Televisión Pública Telepacífico, sostiene que BUSCA POR DENTRO tiene “repercusión porque genera recuerdos. Eso tiene una carga emocional muy grande…”. Esa conexión con los espectadores se refleja en el recorrido seguido por el documental que va desde el Festival de Cine Colombiano de Nueva York, pasando por Belín y llegando hasta Perú, así como a las parrillas de canales de televisión privada.

BUSCA POR DENTRO, que lleva el mismo nombre de la canción compuesta por Jairo Varela para el LP de 1991 titulado CIELO DE TAMBORES, es un puente que lleva la figura del compositor y poeta a nuevas audiencias y a nuevos formatos musicales. Así Totó la Momposina, Chocquibtown o Herencia de Timbiquí, entre varios más, versionan las piezas del maestro Varela, permitiendo que su obra expanda las fronteras de la Salsa como género musical.

El documental dirigido por Andrés Morales y estrenado en 2018, se titula EL HOMBRE UNIVERSAL. Cuenta la historia del escritor Arnoldo Palacios, Colombiano y nacido en el Chocó, tierra poblada mayormente por población afrodescendiente y reconocida por su música y sus carnavales, pero poco mencionada por su literatura. Palacios fue un escritor negro, que vivió buena parte de su vida en Francia, donde formó una familia con una Condesa, madre sus hijos y cómplice de sus sueños. Alejado del Chocó continuó escribiendo con la remembranza de su origen en cada una de las páginas que publicó.

Morales, el director, hace este documental con un bagaje que incluye trabajos en Argentina y en Colombia, así como una formación que va desde el teatro, pasando por la fotografía y llegando a la dirección. Su vida cosmopolita lo acerca a la figura de Palacios, quien hasta su muerte en 2018, sostuvo que era un hombre indio, negro y blanco, producto de una formación académica que lo llevó a estudiar becado en a la Sorbona.

El documental es una apuesta de Telepacífico, el canal de televisión, por contenidos en los que la diversidad es protagonista. Andrés Morales reconstruye el recorrido vital de Arnoldo Palacios a la inversa, desde Francia hasta el Chocó, al tiempo que el espectador comprende la importancia del mundo sin fronteras y de la necesidad de los creadores de mente libre y sin restricciones.

EL ÚLTIMO REINO es un serie de temática histórica producida por la BBC, la cadena de televisión pública británica, que desde su creación, en la primera mitad del siglo XX, define rutas a considerar por las otras empresas dedicadas a la televisión estatal. La primera temporada de la serie se estrena en 2015 y la cuarta está disponible en Netflix desde abril de 2020. La serie cuenta la historia de un noble que ha perdido su castillo y debe recuperarlo a golpes y espadazos. El contexto es el de las invasiones vikingas del siglo IX y su fidelidad histórica se mezcla con un relato enmarcado en el género de aventura.

Proyectos como este no son novedad para la BBC, ya en 2005 estrenaba ROMA, la serie en la cual se cuenta la historia de Julio César, hasta su fallecimiento. La segunda temporada es estrenada en 2007 y relata el drama del romance entre Marco Antonio y Cleopatra, en plena consolidación del Imperio como proyecto geopolítico romano. Con estos proyectos, la BBC sostiene que la televisión estatal, la pública, existe para enseñar y también para entretener, que la cultura y la historia merecen ser transmitidas con rigor y con el mejor presupuesto y la más alta calidad. En consecuencia, el público estará de su lado, como el cómplice más entregado.

La cuarta temporada del EL ÚLTIMO REINO se puede ver en NETFLIX con pasión y a voluntad. Con los nuevos capítulos, la BBC supera el terreno de la producción televisiva y se adentra en el de la disolución de fronteras, al eliminar las falsas barreras entre la cultura y el entretenimiento.

HUELLA Y CAMINO es un documental de 2019, dirigido por Alex Giraldo, quien cuenta con dos largometrajes de ficción en su historial creativo. La obra habla de Kraken, el célebre grupo de rock latinoamericano y colombiano. El líder de la agrupación es Elkin Ramírez, quien por más de 30 años y hasta su muerte en 2017, fue la cabeza creativa y su cantante principal. El proyecto se hace realidad gracias a la pasión del director por la banda, al apoyo de los fanáticos y a la participación de Telepacífico, el Canal de televisión pública del suroccidente colombiano, que lo hizo financieramente posible.

En una conversación sostenida con la Tintacinéfila, Alex Giraldo afirmó que HUELLA Y CAMINO, hace parte de un proyecto de mayor envergadura, en el cual el siguiente capítulo centrará su atención sobre la figura Elkín Ramirez. Giraldo afirma que “el documental está montado en un tono roquero, para roqueros, para que llene sus vacíos sobre la historia del grupo, pero también para quienes no lo son. Cuando lo ven los no iniciados, tienen sensación de respeto y solidaridad por un artista, Elkin Ramírez y por el grupo, Kraken”.

El documental se emite este primero de mayo a las 4 de la tarde por Telepacífico. HUELLA Y CAMINO es una de las piezas con las que el Canal reafirma su compromiso con la calidad estética y con los contenidos atractivos. Con esta obra, Alex Giraldo rinde un merecido homenaje a la trayectoria de más de tres décadas de la banda Kraken, memoria y presente del rock latinoamericano.

En 2019 se estrena TERMINATOR, DESTINO OCULTO, que tiene como finalidad establecer una conexión con la línea narrativa, que hacia 1984, James Cameron pusiera en marcha como punto de referencia para los adeptos del cine de ciencia ficción. En consecuencia esta sexta entrega de la saga es la oportunidad de ver reunidas a dos leyendas del cine para consumo masivo, como son Linda Hamilton y a Arnold Schwarzenegger, quienes también protragonizan las dos primeras películas de la serie. Junto a ellos está la actriz colombiana Natalia Reyes, que se perfila como la figura sobre la cual se construirá el relato para futuras entregas.

Cuando James Cameron dirige el primer TEMINATOR, el mundo vive bajo la zozobra del apocalipsis nuclear. Este temor alienta al público a ver los filmes iniciales de la serie de forma masiva. Ahora que la guerra fría no ocupa la primera línea de la actualidad noticiosa, obras como TERMINATOR, DESTINO OCULTO, deben apelar a toda su capacidad de asombro para atraer a los espectadores. Esta película de 2019, dirigida por el talentoso Tim Miller, no carece de cualidades y cuenta con el buen tino de conservar una apariencia retro, hoy en día ya clásica, que deja un buen sabor de boca para los espectadores. Por eso, si los esqueletos de metal con ojos rojos son su modelos de belleza, esta es la película que estaba esperando.

MALÉFICA: DUEÑA DEL MAL es una película dirigida por el noruego Joachim Rønning, quien antes tuvo a su cargo el quinto filme de la saga de PIRATAS DEL CARIBE. Cuenta la historia de un hada oscura que maldice a una princesa bebé, pero al verla crecer cae presa del amor maternal y decide protegerla por sobre todas la cosas. Esta es la segunda entrega basada en este personaje y en ambas la protagonista es Angelina Jolie quien, con el correr de los años, ha adquirido un cierto garbo que aporta trascendencia a su interpretación.

La película es producida por Walt Disney Pictures y tiene como antecedente el filme de 1959 titulado LA BELLA DURMIENTE, que a su vez se basa en los cuentos infantiles clásicos contados por Perault y los hermanos Grimm. Desde sus primeras producciones, Walt Disney supo afincar la esencia de su cine en este tipo de relatos, permitiendo que su mensaje aleccionador perdurara en sus piezas cinematográficas y consolidando así, una fuerte relación con los espectadores. En la actualidad, la verosimilitud de los efectos especiales hace que el público adulto asista a las salas con una pasión similar a la de los más jóvenes. En ello radica la pervivencia del cine fantástico basado en los cuentos infantiles, en que ha sabido ampliar el espectro de sus espectadores. Así, que si es ya mayor y se siente extrañamente atraído por el cine “infantil”, no se preocupe, que no es el único que padece el embrujo de una historia bien contada, con el apoyo de una estética que simplemente es cautivadora.

PROYECTO GÉMINIS cuenta la historia de un asesino que debe enfrentarse a su doble, un clon que lo iguala en fuerza e intelecto. Lo interpreta Will Smith, quien lucha contra su réplica fabricada por computador, pero con apariencia de juventud. Dirige Ang Lee, el taiwanés educado en USA y que tiene en su palmarés tres premios Oscar, acompañados por otros varios de diferentes eventos. Lee, es de esos directores geniales, que dirigen con habilidad un melodrama, así como un filme de mero entretenimiento y en ambos casos consigue los mejores resultados.

PROYECTO GÉMINIS es rodada en Cartagena de Indias, permitiendo el lucimiento de su casco antiguo, que en cada rincón hace pensar que debería ser el escenario de más de una películas. Que se ruede en Cartagena hace creer que el mercado latino es cada vez más interesante para las estadísticas de Hollywood, que sabe del impacto que tiene convertir el cine en el espejo del público al cual se dirige. Así que si caminando por las calles de una ciudad colonial del Caribe cree ver a su doble disfrutando de placeres non sanctos, siéntase bien porque alguien se la pasa bueno y el juicio de los envidiosos será para usted. ¿Envidia… es mejor despertarla que sentirla?

GUASÓN, es una película dirigida por Todd Philips, quien es responsable del éxito conseguido por la comedia estrenada en 2009 titulada THE HANGOVER y traducida como ¿QUÉ PASÓ AYER? y también como RESACÓN EN LAS VEGAS. El filme retoma el personaje del Guasón, enemigo acérrimo de Batman y se remonta a sus orígenes, cuando todavía no es un villano, para seguirlo hasta que se convierte en un cerebro del crimen. La obra llega a las salas de cine avalada por el León de Oro de 2019, máximo reconocimiento concedido por el Festival de Cine de Venecia.

Todd Philips es un admirador declarado del también director neoyorkino Martin Scorsese, al punto que lo invita a participar en su equipo de producción. Esta influencia es notoria porque se trata de un claro homenaje al REY DE LA COMEDIA y a TAXI DRIVER, películas que Scorsese estrenara durante la década del 80. La cuestión adquiere proporciones mayores cuando se descubre en el reparto a Robert De Niro, protagonista de los dos filmes de citados. Estos datos dejan claro cuan arraigada está la manera de hacer películas de Scorsese, tanto en los profesionales, como en los espectadores.

Los apasionados del universo de Batman, deben saber que GUASÓN es la primera de varias películas basadas en este antihéroe, que el actor que lo representa es Joaquin Phoenix, quien para la crítica especializada, borda un trabajo merecedor al premio Oscar. GUASÓN es el retrato de lo más desgarrador que se hereda de la vida urbana del siglo XX, pero sin perder la fachada del cine de entretenimiento.

HABÍA UNA VEZ… EN HOLLYWOOD es una película inspirada en la matanza ocurrida en la casa del director Roman Polanski en la cual, Sharon Tate, su esposa embarazada de ocho meses, es brutalmente asesinada. Esta versión sobre el crimen es llevada a la pantalla por Quentin Tarantino y es protagonizada por Brad Pitt y Leonardo Di Caprio. El filme es una reconstrucción del Hollywood de finales de la década de 1960 y relata los hechos en tono de comedia, pero sin agredir la memoria de las víctimas.

Es un experimento narrativo similar al que Tarantino puso en marcha con su película de 2009 MALDITOS BASTARDOS, en la cual un escuadrón de soldados logra acabar con Hitler, dando un final diferente a la Segunda Guerra Mundial. En ambas se tratan hechos históricos pero, en determinado momento, el relato toma un rumbo diferente propiciando el desarrollo de una realidad alternativa, en lo que se conoce como una ucronía.

HABÍA UNA VEZ… EN HOLLYWOOD tiene todo, menos el resultado que dice la historia oficial, dando al cine una razón de ser que supera la del entretenimiento. Ante la realidad innegable de la muerte de su esposa, Roman Polanski encuentra en la película de Tarantino un refugio que sirve para llenar el vacío que deja su ausencia. La película es ideal para cinéfilos, porque genera la sensación de un eterno retorno a un tiempo en el cual luminarias del cine como Steve McQueen, Bruce Lee o géneros como el Spaguetti Western estaban en su apogeo. Así que siga sus instintos: si prefiere usted la verdad del cine a la del mundo real, HABÍA UNA VEZ… EN HOLLYWOOD es el filme que estaba esperando.

En 2019 Walt Disney Pictures estrena una nueva versión EL REY LEÓN, con una historia que fue llevada a la pantalla por primera vez en 1994. Esta entrega del relato sobre un príncipe desterrado que retorna para recuperar su lugar como rey, se basa en el Hamlet de William Shakespeare y en otros relatos pertenecientes a la cultura popular. Busca ser tan exitosa como su predecesora que llegó a ser la película de dibujo animado tradicional más taquillera de la historia. El estreno de 2019 es dirigido por Jon Favreau, conocido por manejar filmes de gran presupuesto en los que obtiene críticas positivas y resultados de taquilla elocuentes.

El nuevo REY LEÓN, emplea técnicas de animación por computador con las que obtiene imágenes de sorprendente realismo. Su estética aleja la película de la caricatura y del humor que caracterizó del filme anterior. Sin embargo esta estética le permite una mayor fuerza dramática para desarrollar el conflicto del paso de la infancia a la adultez. Favreau, su director, lo entiende y consigue momentos impactantes en los que los animales parecen salidos de un documental de la National Geographic, aunque por el aroma a palomitas de maíz y la voz emocionada de los infantes asistentes a la proyección, se sabe que es una película de ficción con actores transformados en figuras de computador. La película lo tiene todo y si el cinéfilo se toma la molestia de mirar al publico, se dará cuenta que son varios los que asisten al espectáculo con la boca abierta ante el asombro por las imágenes y por la fuerza de la historia.