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TIERRA DE NADIE, RESPUESTAS POR COMPASIÓN

Por Miguel Ernesto Yusty

TIERRA DE NADIE es una serie de televisión producida por AMAZON PRIME, que cuenta la historia de un hombre que descubre un hoyo lleno de materia oscura y etérea, en una de las planicies de su hacienda. Sus tierras están ubicadas en un antiguo territorio indio y el hoyo es un portal temporal, de ahí que su vecino quiera apoderarse de ellas. La serie, que pertenece al género western, el de vaqueros, es también una tragedia en la que el destino pesa sobre los personajes. Su ritmo narrativo es casi sacro, pero no lento, es contenido, como de película de suspenso, siendo el acertado para generar interrogantes en el espectador.

 

El relato lanza las preguntas y el espectador trata de resolverlas, pero el rompecabezas solo se completa al final de la primera temporada. Mientras tanto la madeja del destino de la vida de los personajes se va  enredando inevitablemente. Al terminar los primeros ocho episodios, algo se ha logrado resolver, pero no todo y la inquietud queda atenta a la llegada de la segunda temporada.


El protagonista es interpretado por Josh Browling, actor de rasgos duros y voz poderosa. Son igualmente dramáticos los rostros del reparto que lo acompaña, como si la densidad de la vida la llevaran tatuada en la piel. La historia respira cuando el montaje incluye las escenas prestadas de la ciencia ficción. Estas vienen acompañadas de un sonido como de templo, que le da una sensación de sacralidad que la separa del común de materiales que se ven actualmente en la televisión.

TIERRA DE NADIE hace creer que se puede dar explicación a esas preguntas sin respuesta implícitas en la mayoría de personas. El protagonista oculta un misterio, que la serie intenta resolver. Si lo consigue o no, es menos importante que el vacío que se llena con la ilusión de la respuesta. Tanto en la vida como en la serie, los individuos son una pregunta abierta a cualquier tipo de explicación coherente y poco importa si ésta es una verdad comprobable o una solución compasiva.

JUANA DE ARCO Y LOS ANILLOS DEL PODER

Por Miguel Ernesto Yusty

El Señor de los Anillos: los Anillos de Poder, es una serie de género fantástico, producida y exhibida por AMAZON PRIME y se basa en el universo creado por J.R.R. Tolkien. Los guiones tratan sobre el universo de las novelas del HOBBIT y del SEÑOR DE LOS ANILLOS pero miles de años antes. A la fecha del estreno, es la serie de mayor costo en la historia, girando su presupuesto alrededor de los mil millones de dólares. Tal envergadura de proyecto tiene su origen en la pugna por hacerse con el liderato de audiencia, que HBO ha logrado con la serie JUEGO DE TORONOS.

Además del género fantástico, ambas propuestas tienen en común personajes femeninos fuertes. Algo parecido a lo que viene haciendo Luc Besson desde el estreno de EL PROFESIONAL, en 1994 o lo que ya hacía Ridley Scott con su Ripley, en ALIEN EN EL OCTAVO PASAJERO, en 1979. En la nueva serie de Amazon, el personaje femenino que conduce el relato es Galadriel, una mujer de especie élfica, que por ser inmortal llegará hasta los tiempos del SEÑOR DE LOS ANILLOS. Todo está revestido de la magia que envuelve a los personajes femeninos que tienen la fortaleza de un guerrero, pero que no pierden su condición de féminas, con todo lo que ello supone.

Estas series y películas reinterpretan el legado que deja el personaje histórico de Juana de Arco, la adolescente que en el mil cuatrocientos lidera los ejércitos franceses contra los ingleses y que la historia eleva a la categoría de santa, luego de padecer el martirio de sus enemigos y la traición de sus defendidos. Las producciones de Amazon y HBO, que luchan por la permanencia en la retina de las audiencias, basan sus guiones en ideas de fuerte raigambre en el imaginario del público. Solo así se explica que su impacto trascienda países y que logren unir, gracias a la ficción, la imaginación del Planeta entero. Hacen pensar que el verdadero poder para hacer que el mundo dialogue, está en los cuentos bien contados y no en las armas o en otros poderes que lucen transitorios ante los arquetipos que trascienden las centurias.

VERTIGO, NO TE LA PIERDAS

Por Miguel Ernesto Yusty

VÉRTIGO, es una película en la que dos amigas deciden escalar la tercera torre de comunicaciones más alta de los Estados Unidos. Cuando se dice torre se hace referencia a una aguja de metal en la que cabría una persona de pie y que mide seiscientos metros del suelo a su punto más alto. La aventura se torna accidentada y las dos jóvenes quedan atrapadas, con solo sus habilidades físicas y el autocontrol para que el pánico no las lleve a cometer imprudencias fatales. La película propone una historia en la que las acciones de riesgo son llevadas a cabo por las actrices involucradas, convirtiéndose este proyecto, en otro más de los que en este período, de pos-cuarentena, trata de dar al espectador sensaciones muy próximas a lo real.

El éxito del filme radica en que cuando el espectador la ve, padece de sensaciones extrañas que recorren todo su cuerpo desde las pantorrillas hasta su estómago. Cómo pocos proyectos, es posible que, al ser visto, las manos suden y que la gente manifieste verbalmente todo tipo de emociones encontradas a cada minuto de proyección. Aunque el escenario es una extensa planicie, la historia sucede en unos pocos metros cuadrados y con solo dos personajes, permitiendo que el talento del director, Scott Mann, se desarrolle con libertad y virtuosismo.

Esta película, con sus dos jóvenes atrapadas en lo alto del fin del mundo, forma parte de una tendencia en la que los actores interpretan tantas acciones riesgosas como les son posibles. Lo mismo sucede con Tom Cruise en TOP GUN, tanto en la primera como la segunda entrega. En ellas los intérpretes pilotan aviones de guerra y la cámara los registran haciendo que el público viva sus experiencias en primera persona. Es como si los meses de encierro propiciaran un reclamo por experiencias extremas y que el cine fuera la vía para conseguirlas. VÉRTIGO es una experiencia audiovisual que se convierte en física para quienes asisten a la sala de cine: no te la pierdas.

¡NOP! PÁNICO Y DESCONCIERTO.

Por Miguel Ernesto Yusty

¡NOP!, es una película que combina el terror con la ciencia ficción y que divide las opiniones de la crítica entre favorables y poco entusiastas. La dirige Jordan Peele, quien viene precedido por el éxito de su filme anterior, NOSOTROS, estrenado en 2019. ¡NOP! plantea que el terror baja del cielo y lo hace a campo abierto, con personajes que entrenan caballos para hacerlos actuar en el cine. Los escenarios le conceden una espectacularidad que justifica verla en salas de cine, más cuando se trata de cine sobre gente de cine, es decir ideal para cinéfilos monotemáticos.


¡NOP! Es un filme de autor, es decir que aunque Peele trabaje dentro de la estructura industrial del cine americano, la película sigue los caprichos del director. Los grandes artistas de la dirección cinematográfica lo han hecho de la misma manera, sucede que en ocasiones, sus caprichos coinciden con el gusto de los espectadores. Y en buena medida, así sucede con ¡NOP!. Peele, captura la atención con personajes bien construidos y que se salen del común de los humanos normales, aunque sus necesidades primarias si son universales. La densidad dramática del guión tiene como aliado el buen trabajo de los actores.

Esta es una de las razones para el éxito de ¡NOP!, que se ha afianzado en el público gracias al voz a voz. Actrices y actores en este filme, son en sus vidas personales coincidentes con el universo desconcertante al que asiste el espectador cuando va al cine. Y es por eso que la película es atractiva, porque habla el lenguaje de la vida diaria, pero el tipo de terror que construye no solo asusta, si no que también desconcierta.

NÉMESIS, EL CÓMIC EN MUTACIÓN.

Por Miguel Ernesto Yusty

NÉMESIS, es una película sobre un superhéroe urbano interpretado por Sylvester Stallone. Está ambientada en una atmósfera de ciudad decadente y se cuenta desde óptica de un niño que cree descubrir en su barrio, al héroe que inspira su vida de limitaciones económicas. La historia, producida por Amazon para ser vista en su plataforma de streaming, cuenta con el atractivo de un Stallone entrado en años, demostrando entereza actoral y física. La película se estrena en un 2022, en el que el cine sobre superhéroes ha ralentizado su expansión en las audiencias, sin embargo, filmes como NÉMESIS, siguen respondiendo a la necesidad de los espectadores por ser salvados por algún tipo de fuerza sobrehumana, que compense todas las asperezas de la cotidianidad.

NÉMESIS, también titulada SAMARITAN, está dirigida por el australiano Julius Avery, quien llega a esta película luego de dos largometrajes y varios cortometrajes premiados en importantes eventos, como el festival de cine de Cannes. Con esta película, Stallone se resiste a perder vigencia, estrenando cada tanto filmes en los que recuerda al público su gusto por el cine de acción. NÉMESIS no es un filme costoso, pero es una demostración de la vitalidad que conserva el género de superhéroes, que se aleja de los estereotipos y se arriesga con personajes mayores, pero con capacidad de atraer a un sector específico de espectadores. Algo similar sucede con TODO EN TODAS PARTES AL MISMO TIEMPO protagonizada por Michelle Yeoh, la diva del cine de artes marciales. Este filme lleva el género de superhéroes al entorno de una familia de inmigrantes orientales en Estados Unidos: ante una posible crisis de audiencias, el género se reinventa y busca soluciones.

En un mundo azotado por los embates de la naturaleza, con veranos apocalípticos, enfermedades de exterminio, guerras que amenazan con ser nucleares y declives económicos de terror, el reclamo por salvadores se hará más pronunciado. Es entonces cuando el género de superhéroes irá mutando para responder a una realidad que no muestra soluciones prontas y que si requiere de espectadores ilusionados que puedan sobrevivir esta tormenta que arrecia en los primeros 20 años del siglo XXI. NÉMESIS es el cómic en mutación.

UN PARCERO EN NUEVA YORK

Por Miguel Ernesto Yusty

UN PARCERO EN NUEVA YORK es una película dirigida por Harold Trompetero, en la que se cuenta el drama de un inmigrante colombiano en la Gran Manzana. Aunque trata de un hombre de escasos recursos económicos, sus sueños y aspiraciones no tienen límites, llegando a ser divertido y por momentos tierno. Maneja el tono de las comedias de estilo bogotano, con un humor que recuerda al de Pepe Sánchez cuando dirigía la serie Don Chinche. Es probable, que esta nueva película de Trompetero cuente con el beneplácito del público, con un acercamiento a los dramas sociales desde la comedia.

Trompetero es un director de cine, con un extenso recorrido por el universo de la publicidad y por ello con una compresión profunda de la forma como las audiencias se relacionan con los contenidos audiovisuales. Como narrador evita la burla, prefiriendo ser solidario con sus personajes. Esta mirada ya se encuentra presente en algunas comedias televisivas que tienen como escenario la ciudad de Bogotá o incluso telenovelas como BETTY LA FEA. En ellas, la absurdidad de la vida sucede cuando los personajes con pocas opciones para lograr sus objetivos, conservan de forma alucinada sus aspiraciones desmedidas y el guión no se burla de ellos, pero si se ríe y con ternura, a la manera del humor bogotano.

El cine dirigido por Harold Tropetero permite al espectador reconocerse aceptando sus defectos y cualidades, conservando al mismo tiempo sus sueños intactos: por eso la taquilla es amable con Trompetero. De esta forma ha conseguido ser un director prolífico, con más de veinte largometrajes en su filmografía. UN PARCERO EN NUEVA YORK trata el drama de la inmigración desde la comedia, evitando el rechazo que, el mismo tema, podría sucitar si estuviera emarcado en un género diferente.

LA CASA DEL DRAGÓN

Por Miguel Ernesto Yusty

LA CASA DEL DRAGÓN, es la serie que muestra los sucesos previos a la historia de JUEGO DE TRONOS, es lo que se conoce como una precuela. La estrena HBO MAX el domingo 21 de agosto en el continente americano y al día siguiente en el resto del mundo. LA CASA DEL DRAGÓN está avalada por la gran popularidad alcanzada por su antecesora, que ha servido para confirmar que a los espectadores les gustan las historias con protagonistas mesiánicos, en las que fuerzas inmateriales como “el destino”, rigen la vida de los personajes.

JUEGO DE TRONOS, su atecesora, tuvo 8 temporadas, que se emitieron entre 2011 y 2019. Durante estos años, el proyecto capturó toda la atención de los televidentes a lo largo y ancho del Planeta. En ese tiempo consiguió todo tipo de premios, así como alcanzó el reconocimiento de ser la serie con más descargas ilegales del mundo. JUEGO DE TRONOS logró mantener vivo el apetito por el género fantástico que había puesto al orden del día EL SEÑOR DE LOS ANILLOS con sus tres películas. También, sirvió para consolidar la idea que la calidad estética y tecnológica del cine y la televisión no tienen porqué ser diferentes. Esta concepto, que es importante para los cinéfilos, fue ratificado cuando en 2015, HBO llevó a 205 salas de cine IMAX, los dos últimos episodios de la cuarte temporada.

LA CASA DEL DRAGÓN recuerda el arraigo que conserva el género fantástico y también el caballeresco. La serie se basa en la novela FUEGO Y SANGRE del escritor George R. R. Martin. Tanto en la versión televisiva como en la literaria, “el poder” es la fuerza que impulsa el drama. Al ser este un tema universal, no extraña la conexión que logra establecer con su audiencia. Por el contrario inquieta la perviencia del género caballeresco con todo el sistema de valores que encarna, los mismos que en el siglo de oro puso en tela de juicio Cervantes, con EL QUIJOTE. Sin embargo, hay que recordar, que con frecuencia lo importante no es lo que se cuenta, si no, como se cuenta y HBO ha demostrado que de eso sabe bastante.

FIASCO TOTAL: WOODSTOCK 99

FIASCO TOTAL: WOODSTOCK 99, es una serie documental producida por Netflix, compuesta por tres episodios de 45 minutos cada uno, en los que se cuenta lo sucedido en el estado de Nueva York cuando, en 1999 se intentó hacer un concierto de rock que emulara el éxito obtenido por el evento homónimo que, de 1969, 30 años antes, dejó una huella imborrable en la cultura popular. Pero los organizadores de la versión del 69, no tuvieron en cuenta que la juventud de finales de los años 60, era diferente a la del último año del siglo XX, en consecuencia, el Woodstock de 1999, termina en un trágico y violento fracaso.

La serie acude al recurso de la entrevista como método narrativo, mostrando asistentes al concierto del 99 y también a los organizadores del evento, incluyendo algunos que participaron del concierto original de 69. Por otra es un viaje en el tiempo que, gracias al material de archivo lleva, a los televidentes por diferentes momentos de la historia.


El conflicto que atraviesa la serie es el choque entre lo que se espera del mundo y lo que se recibe de él. El Woodstock original, el del 69, es un hecho idealizado que simboliza el triunfo de la paz sobre la violencia, en épocas de la guerra del Vietnam y en medio de los conflictos de la guerra fría. Es decir que, ante la amenaza de una posible guerra nuclear, las juventudes proponen el amor como herramienta para cambiar el mundo. El panorama de finales del siglo XX es diferente. Aunque se supone que no existe ya la confrontación entre el bloque “capitalista” y el “comunista” tras la caída de la Unión Soviética, los jóvenes del Woodstock del 99 no son pacifistas, por contrario cargan la agresividad de quienes desconocen las normas al tiempo que carecen de todo auto control. Son los jóvenes de una superpotencia que no tiene rival y que se creen con libertad total para hacer y deshacer. De tal forma que sus instintos campean libremente por las tierras del Woodstock de 1999.

El nuevo documental producido por Netflix, es entonces un acierto, porque da cuenta de la evolución en la escala de valores de las juventudes de los Estados Unidos a lo largo de medio siglo y deja la inquietud sobre la fortaleza de lo primitivo en el ser humano, que está dispuesto a tomar el control a la primera oportunidad que pueda encontrar.

DUNE, UN NUEVO REFERENTE

No era de suponer que en 2010, cuando la película INCENDIOS fue estrenada, que su director, Denis Villeneuve, se convertiría en uno de los pilares creativos de la ciencia ficción. Así es si se observa su filmografía. En ella se encuentran filmes como la LLEGADA, de 2016, BLADE RUNNER 2049 y en 2021, DUNE. Los dos últimos títulos, tienen como antecedentes dos respectivos clásicos del género.

BLADE RUNNER 2049, es la segunda parte de la película icónica de Ridley Scott de 1982 y DUNE, es una reinterpretación de la novela homónima de Frank Herbert, que fue objeto de una adaptación para la pantalla grande en 1984, dirigida por David Lynch. Es decir que Villeneuve se convierte en depositario de la confianza del mundo cinéfilo, que ve en él un creador capaz de cuidar y engrandecer míticos largometrajes pertenecientes a la cultura cinéfila universal.

Es probable que por su relación con el cine independiente, en el que los efectos especiales son secundarios, Villeneuve sepa generar interés en el público a partir de historias bien estructuradas y de la dirección actoral. Por eso, al llegar al cine de grandes presupuestos, en los que la dirección de arte es grandilocuente y espectacular, sus relatos siguen teniendo solidez. Aunque DUNE se encuentra en plataformas de televisivas como HBO, si duda quienes tengan la posibilidad, deben asistir a las salas de cine en las que aún está siendo proyectada: la experiencia de DUNE en pantalla grande será sin duda inolvidable.

 

AGENTES 355

AGENTES 355 es una película de espías producida por su actriz protagonista Jessica Chastain. Es dirigida por Simon Kinberg, quien ha tenido a su cargo, buena parte de las películas de la saga de X-MEN. El filme, basado en una idea original de Chastain, cuenta con el buen hacer de Kinberg, experto en cine de acción, quien sabe llevar a su reparto, compuesto prioritariamente por mujeres, a competir por la taquilla con películas como SPIDER-MAN: SIN CAMINO A CASA ó KINGS MAN: EL ORIGEN.

Destaca el personaje de Penelope Cruz, quien fue incluida en el proyecto desde las primeras páginas de la escritura del guion. En entrevista concedida a la Cadena Ser (https://youtu.be/uZafIdDxuxw), afirma que propuso la creación de un personaje femenino que fuera como un “pez fuera del agua”, quien, a diferencia de los personajes del cine de espías que dominan toda actividad de riesgo, ésta no tenga idea de cómo sobrevivir en un mundo en extremo peligroso. Al final del relato, la psicóloga colombiana interpretada por Cruz, saldrá adelante, no sin antes dejar pinceladas de comedia por toda la película.

El cine de espía en tiempos de amenazas pandémicas es casi una respuesta al temor al fin del mundo. Los relatos sobre espionaje, presentan al espectador un contexto en el que un arma letal corre el peligro de ser usada de forma inadecuada, acarreando la destrucción total. En las películas, el héroe y en el caso de AGENTES 355, las heroínas, llevan el mundo de regreso a la estabilidad. Quizás esa sea una razón que explique la reciente entrega del último capítulo de 007, SIN TIEMPO PARA MORIR o TENET, estrenada en 2020: es decir que el universo de los cinéfilos reclama más cine de espías para salvarnos del fin del mundo.