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¡SHAZAM!

¡SHAZAM!, es la película que en 2019 dirige David F. Sandberg y que combina el género de la comedia con el de la aventura. Cuenta la historia de un adolescente que tras gritar “¡Shazam!” se convierte en un mago súper poderoso. Está basada en un cómic de la empresa editorial DC, que llegó a ser popular durante la década del cuarenta del siglo XX. El rango de espectadores al que va dirigido comienza desde los más jóvenes, llegando a interesar al resto de integrantes de la familia.


¡SHAZAM! Carece del dramatismo trascendental de otros relatos basados en personajes de DC, como los de la trilogía de Batman o los de las películas de Súperman, ambos ejemplos producidos en los primeros años del siglo XXI. Con ello, ¡SHAZAM! disfruta de la libertad de usar un humor que impacta fácilmente y que recuerda a clásicos del cine familiar como “BIG” estrenada en 1988 y actuada por Tom Hanks. El éxito del filme, es que permite a los espectadores de menor edad soñar con transformarse en adultos poderosos, mientras que a los adultos, los deja soñar con el eterno retorno a la pubertad. La película derrocha humor y también testosterona y se convierte en un reclamo obligado para quienes buscan entretenimiento en estado puro.

LAS DOS REINAS

LAS DOS REINAS es una película de la directora británica Josie Rourke, quien hasta el rodaje del filme ha tenido una brillante carrera en el mundo del teatro. La historia se centra en los hechos históricos que llevaron a la consolidación del reinado de Isabel I, quien gobernó durante uno de los pasajes más interesantes de la cultura inglesa. A este período, el Isabelino, se debe la producción literaria del William Shakespeare y el incidente bélico que condujo a la derrota de la Armada Invencible, suceso que posicionó a Inglaterra en un lugar de privilegio desde el cual pudo construir su posterior dominio marítimo del mundo, en detrimento del poderío español.

La película es una reflexión sobre el poder cuando es detentado por mujeres y sobre la forma como los hombres reaccionan ante él. Aunque gobernantes legalmente constituidos, las dos reinas mostradas en esta historia son víctimas de constantes conspiraciones masculinas. La una reina de Escocia y la otra de Inglaterra, profesan entre sí respeto y afecto, pero la política, regida por hombres, las lleva a funestos desenlaces. Dirigida por una mujer, LAS DOS REINAS posee una sensibilidad única que se refleja en sus frecuentes homenajes al claro oscuro de la pintura del siglo XVI y también en su capacidad para aterrizar el drama histórico al nivel de las emociones y las pasiones humanas.

 

DUMBO


En 1941 la compañía de Walt Disney estrena DUMBO, con gran éxito de taquilla y de público. Al poco tiempo la película llega a ser considerada obra de culto. De ella son recordadas su banda sonora y la secuencia en la que el protagonista, un elefante pequeño, con orejas grandes que le permiten volar, se embriaga, dando lugar a algunos de los momento más relevantes de la historia de la animación. En marzo de 2019, Disney estrena una nueva versión de la misma historia, pero sin usar técnicas de dibujo animado tradicional para producirla, si no que se vale de la animación por computador y de actores reales. El director a cargo del remake es Tim Burton, quien años atrás comenzara su trabajo en la misma empresa productora.

Tim Burton es desde los años 80 del siglo XX, referente obligado para quienes disfrutan del género fantástico, con toques de terror gótico. Por ser dibujante, posee una especial sensibilidad para narrar historias que provienen del cómic, de los libros ilustrados o del cine de animación. Es recordado por sus versiones de BATMAN, de 1989 y por la de ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS, de 2010. Con el segundo ejemplo pasa algo parecido a lo que sucede con DUMBO, es decir que las dos películas están basadas en dos exitosos filmes Disney. Sin embargo, en lo que atañe al séptimo arte, no existen fórmulas infalibles para hacer triunfar una película y para DUMBO en 2019, como para cualquier pieza cinematográfica, el público tiene la última palabra.

 

VAN GOGH: EN LA PUERTA DE LA ETERNIDAD

VAN GOGH: EN LA PUERTA DE LA ETERNIDAD es un filme dirigido por Julian Schnabel y protagonizado por Willem Dafoe. La obra se centra el la figura del pintor neerlandés Vincent Van Gogh, que vivió a finales del siglo XIX y que con su estética ha logrado impactar el arte del siglo XX e incluso el de la presente centuria. Más que dar una clase de historia sobre el pintor, la película ofrece al espectador la experiencia del artista cuando se enfrenta al infinito. Tal vivencia no es fácil de transmitir, pero el director cuenta a su favor con su propia vida dedicada a la pintura.

Julian Schnabel se ha enfrentado a retos similares en películas anteriores, ejemplo de ello es BASQUIAT de 1996, que trata la vida del célebre pintor callejero Jean Michel Basquiat. Ambas cintas prueban que es fundamental tratar temas de los que se sabe a profundidad. Es también un acierto incluir en el reparto de VAN GOGH a Willem Dafoe, quien en su carrera ha interpretado varios personajes que se entregan en cuerpo y alma a las causas que defienden, es el caso de su Jesus en LA ULTIMA TENTACIÓN, de 1988 y el del sargento Elías en PLATOON, de 1986.

Con VAN GOGH: EN LA PUERTA DE LA ETERNIDAD, Julian Shnabel deja claro que para el buen cine no hay temas vedados y que el interés que despiertan las películas en el público depende en gran medida de cómo estás se cuentan. Es decir que es tan importante lo que se dice, como la forma que se emplea para decirlo. En Shnabel, la forma y el contenido van de la mano.

NO MIRES

NO MIRES es una película de terror sicológico dirigida por Assaf Bernstein, que cuenta una historia de maltrato escolar que recuerda por momentos a Carrie, estrenada en el 76, en la que una adolescente es acosada por sus compañeros de estudio. En ambas, las facultades paranormales de las chicas las convertirán en el tormento de sus agresores.

La película es una incursión en mundo de los dobles. Esos seres que algunos afirman viven en una dimensión paralela y que si se les deja, pueden llegar hasta la nuestra. En NO MIRES, el doble de la protagonista se encuentra al otro lado del espejo. Realidad o ficción, es una metáfora de los mundos virtuales creados gracias a las herramientas modernas de comunicación, que hacen posible que cada usuario creer un personaje con cualidades inviable en el mundo real, pero posibles en el virtual, pudiendo así tener una doble vida.

El universo de los dobles es llamativo, aunque no es nuevo. En literatura Stevenson escribe en el siglo XIX la novela EL EXTRAÑO CASO DEL DOCTOR JEKILL Y EL SENOR HIDE y en el cine habría que citar la película de David Fincher, de 1999, THE FIGHT CLUB o EL CLUB DE LA LUCHA. Tanto en NO MIRES, como en los ejemplos propuestos, al espectador se le permite la ilusión de creer que si existe un vía para realizar sus deseos y búsquedas prohibidas.

LA MULA

LA MULA es la película que Clint Eastwood dirige y protagoniza, sin que sus 88 años de edad afecten la calidad del resultado final. El ser un hombre mayor le aporta cualidades al personaje que interpreta, haciéndolo creíble y se convierte en evidencia del valor que suma la experiencia para desempeñar roles artísticos. El filme cuenta la historia de un abuelo que al verse sin recursos económicos, se convierte en transportador de drogas ilegales para un cartel mexicano. Como si de una película del género del oeste se tratara, se muestran grandes paisaje por los que la camioneta del protagonista pasa cargada de estupefacientes.

Quien ejerce de antagonista es el consagrado actor y también director Bradley Cooper. Junto a ellos se encuentra una pléyade de estrellas, que dan a la película la fuerza emotiva que un drama familiar como éste merece. La obra parte de un guion brillante, en el que la idea absurda de un ver un octogenario sometido a los peligros del los negocios ilícitos es una situación desconcertante. El espectador pasa de la preocupación, a la risa, al tiempo que se solidariza con el drama del protagonista. Al ver LA MULA es inevitable pensar que los años han llegado para Clint Eastwood cargados de sabiduría y que sus películas son paradigma del buen cine al que acostumbró a su audiencia desde los años 90 del siglo anterior, cuando estrenara, en 1992, la ya clásica SIN PERDÓN.

GREEN BOOK

GREEN BOOK es quizás una de las mejores películas de 2018, debido a lo agradable de su relato y a la profundidad con la que maneja sus temas. Muestra como tratar el tópico de la segregación, la inmigración o el de la homosexualidad de forma cercana al espectador, sin que por ello se sacrifique el análisis complejo y la carga emocional de la historia.

GREEN BOOK presenta a dos amigo, uno afroamericano y otro descendiente de italianos, que hacen un viaje al sur de los Estados Unidos durante los años 60, período de fuertes confrontaciones políticas y raciales. El filme está contado en tono de comedia y es interpretado por Viggo Mortensen y por Mahershala Ali, ambos artistas talentosos y dotados de una especial inteligencia para comprender dramas políticos y sociales. La dirige Peter Farrelly, responsable de la mítica comedia ALGO PASA CON MARY estrenada 1998 y quien es capaz de mezclar lo intelectual, lo emocional y lo cómico para conseguir el buen resultado que hace de GREE BOOK una obra de gran aceptación por parte de la crítica y también del público.

 

La película recuerda a parejas cómicas como la de Jack Lemmon y Walter Matthau en la comedia de UNA EXTRAÑA PAREJA DE 1968, pero el referente más cercano es el del largometraje francés INTOCABLE de 2011. Tanto GREEN BOOK, como las dos ya citadas, son manifiestos fílmicos sobre la tolerancia y la amistad a pesar de las diferencias. Así que por el riesgo de ser conmovido o por el gusto de ver una historia inteligente.

 

AQUAMAN, EL SUPERHÉROE SUBMARINO

AQUAMAN es una película que aspira convertirse en una de los éxitos de público de finales de 2018. Está basada en el personaje del mismo nombre creado para la DC COMICS en 1941 y consolidado como opción de entretenimiento, durante el período conocido como “la Edad de Oro” de las historietas estadounidenses, que comprende la década de 1930 hasta la de los años 50.

La película es dirigida por James Wan, quien estuvo a cargo del primer filme de la serie SAW estrenado en 2004. Wan ha clogrado convertirse en un fenómeno del cine de acción, así como de terror. Al actor que encarna al superhéroe capaz de dominar los mares y de vivir en la superficie o en las profundidades del agua es Jason Momoa, quien lleva años en mundo del cine, aunque su reciente popularidad se debe a las series de televisión GUERRA DE TONOS (2011-2012) y FRONTIER (2016).

La película se suma a la extensa lista de largometrajes que en los últimos años se han convertido en el reclamo más fuerte de la taquilla. Ello demuestra en masivo clamor por las historias que combinan lo fantástico, la ciencia ficción y la acción. En un momento histórico en el que la tecnología marca la manera de vivir, los relatos salidos de la realidad son aquello que atrae la atención los espectadores. Algo parecido sucedió en la Inglaterra del siglo XX, cuando en medio del positivismo motivado por la Revolución Industrial, el terror gótico y luego la ciencia ficción se consolidaron como géneros literarios cercanos al gusto de los lectores. Las semanas y los meses vendrán y quedará claro cuánto supo conectar esta película AQUAMAN con un público diverso y al mismo tiempo planetario.

GOJIAM: HOSPITAL MALDITO


Esta es una película de terror gótico, narrada con el estilo de “metraje encontrado”. Esto quiere decir que las imágenes que se muestran, provienen de cámaras manejadas por los personajes que participan en la historia. En lo referente al término gótico, éste se usa para designar narraciones que ocurren en castillos de arquitectura gótica o mejor, en casas abandonadas y también en construcciones deshabitadas. HOSPITAL MALDITO es dirigida por Jeong Beom-Sik, un coreano que tiene a su haber la película de 2007 EPITAPH, otra de terror con imágenes de gran calidad fotográfica.

GOJIAM: HOSPITAL MALDITO es interesante porque al ser la cámara llevada por los personajes, la implicación del espectador con el relato es casi vivencial. Narrar con el uso de “metraje encontrado” se ha hecho frecuente en el género de terror, así lo demuestran dos hitos cinematográficos como EL PROYECTO DE LA BRUJA DE BLAIR de 1999 y ACTIVIDAD PARANORMAL de 2007. Esta tendencia narrativa tiene que ver con el desarrollo de la tecnología portátil. Dicho de manera concreta, el que las cámaras hayan reducido su tamaño, les permite participar de la acción cinematográfica de forma más próxima: la cámara registra, al mismo tiempo que participa de la acción. Por esta razón GOJIAM: HOSPITAL MALDITO es cine en el que el público siente que está adentro de la película y que es uno más de los personajes. El espectador no va a ver un filme, va a vivir en la película.

 

AMOR DE VINILO

Por Miguel Ernesto Yusty

AMOR DE VINILO es una de las mejores comedias de finales de 2018. Se trata de una historia de amor que no debió suceder, que demuestra que la creatividad de los guionistas es capaz de encontrar verosimilitud en lugares inusitados. La escribe un grupo de dramaturgos con todo tipo de éxitos a cuestas, que toma como punto de partida la obra literaria del escritor y productor Nick Hornby, quien también escribiera en 2015 el guion del filme BROOKLYN.

AMOR DE VINILO destaca por el trabajo de sus actores y en especial por el del ya experimentado Ethan Hawke, que interpreta con fluidez el rol de galán cautivador y decadente. La historia transita cómodamente por la estructura de una comedia romántica, siendo relevante la inteligencia con la que están interpretados los diálogos. AMOR DE VINILO recuerda a clásicos como EMPIRE RECORS (1995) o ALTA FIDELIDAD (2000), en los que el gusto por la música y el amor se conjugan. Así que si no sabe cómo conseguir el corazón del ser amado, esta película le dará algunas claves para lograrlo.