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LA MADRE DEL BLUES

Escrito por Miguel Ernesto Yusty

LA MADRE DEL BLUES es un largometraje de ficción basado en la vida de la cantante afroamericana Ma Rainey, popular en USA durante los años 20 del siglo XX. La película se acerca al calificativo de obra maestra, por contar una historia compleja haciendo gala de su economía en el uso de escenarios y de un trabajo actoral que atrapa al espectador. Una de las claves para alcanzar su alto nivel, es la presencia del actor Denzel Washington en el grupo de producción. La dirige un hombre curtido en artes escénicas, George C. Wolfe, ganador de un Premio Tony, quien ha sabido combinar lo mejor del teatro, con los aportes que el cine le concede.

El filme es un debate entre los actores Viola Davis y el fallecido Chadwick Boseman. Ella representa, una cantante negra consagrada, que impone su ley a los empresarios blancos de la grabación musical. Chadwick interpreta a un joven artista, que trae nuevas ideas pero a quien le exigen doblegarse hasta la humillación a cambio de promocionar su música. La pugna entre la tradición y la renovación se salda con un final trágico para el muchacho, que como si el filme fuera un oráculo, es la antesala de la muerte del actor en meses posteriores.

LA MADRE DEL BLUES es originalmente una obra de teatro, que en su versión cinematográfica cuenta con pocos escenarios, permitiendo así el refinamiento de los oficios cinematográficos. En consecuencia recibe dos Oscares, uno por el diseño de vestuario y otro por el de peinados, además de nominaciones a los dos actores mencionados. Su paso por una larga lista de festivales de primera línea, prueba que LA MADRE DEL BLUES aplica con disciplina la expresión “menos es más”, convirtiéndose en una de las obras maestras de los tiempos en que plataformas como NETFLIX, deciden aquello que se puede ver y lo que no.

I AM NOT YOUR NEGRO

Escrito por Miguel Ernesto Yusty

I AM NOT YOUR NEGRO es el documental que en 2016 es nominado al mejor de su categoría en los Premios Oscar y que consigue el César a mejor documental en 2017. Tanto en Francia, Estados Unidos o Canadá, la película, dirigida por el Haitiano Raoul Peck, es reconocida por la fuerza de sus imágenes y por la vigencia de su discurso. Basada en la novela inconclusa del escritor afroamericano James Baldwin, cuenta el desarrollo de su amistad con Martin Luther King, Malcom X y Medgar Evers, quienes fueron asesinados durante la convulsa década de 1960.

Programado por Telepacífico durante el mes de mayo, I AM NOT YOUR NEGRO, es una película narrada en primera persona por el célebre actor Samuel L. Jackson. Se trata de una reflexión sobre el pasado brutal de un país y sobre la vigente discriminación de los afros en USA, aunque también es un estudio sobre la intolerancia en el mundo entero. La voz de Jackson, que se escucha profunda y cerebral, suena tan contundente como en algunos de sus trabajos más elaborados. El documental se hace profundo e inteligente, cuando Peck, el director, incluye en el montaje imágenes de archivo en las que Baldwin, el novelista, habla con refinamiento sobre el trato que recibe su etnia, así como de su importante contribución a la historia del gigante del norte.

Queda claro tras ver I AM NOT YOUR NEGRO, que ningún pasado resulta ser tan lejano y que los grandes conflictos se convierten en dramas históricos que toma mucho tiempo resolver. Así las cosas, cabe pensar en la trascendencia de los actos del presente, que se sabe cuando inician, pero se ignora cuando y como van a terminar.

NOTICIAS DEL GRAN MUNDO

Escrito por Miguel Ernesto Yusty

NOTICIAS DEL GRAN MUNDO es una película del género western, dirigida por Paul Greengrass, estrenada en 2020 y que defiende el poder de la palabra y la pluma en un mundo sin ley. El personaje protagónico está interpretado por Tom Hanks, quien, por obra y gracia del destino, debe hacerse cargo de una niña víctima de las guerras entre “indios” y “vaqueros”. Aunque Greengrass es experto en cine de ritmo trepidante y es conocido por la segunda y la tercera entrega de la saga basada en el amnésico espía Jason Bourn, esta película tiene un tempo mesurado, pero nunca relajado.

En NOTICIAS DEL GRAN MUNDO, Greengrass construye un western con personajes y contextos arquetípicos, en el que un hombre culto y veterano de la guerra de secesión, viaja por los pueblos del oeste americano leyendo periódicos ante auditorios de gente sencilla. Tom Hanks y su personaje, descubren, para los habitantes de oeste profundo, que la vida tiene más encantos que sus villorrios pobres y polvorientos. Con esta película, el “oficio de periodista” y el trabajo de los medios masivos, es redefinido.

El filme, le regresa al periodismo, su conexión con los ciudadano. Le recuerda que los medios tienen el poder de descubrir verdades libertarias. En medio de la hostilidad del western decimonónico, la película encuentra espacio para lo poético y se convierte en una de las obras más interesantes de finales del año 2020 e inicios del 2021.

PARIENTE

PARIENTE es la historia de un trío romántico en el contexto del paramilitarismo colombiano. Se estrena en 2016 y es escrita y dirigida por Iván Gaona. Es un western, que no pasa en los Estados Unidos y sí en un pueblo del Santander Colombiano. Es también un drama familiar en el que los amores trascienden aquello que la moral escrita defiende y obedecen solo a los dictados de corazón.

La película fue escogida por Colombia para concursar por los premios Oscar como mejor película en habla no inglesa y aunque no fue preseleccionada por la academia norte americana, es una pieza llena de valores narrativos que mereció todos los reconocimientos que la crítica de su país le concedió al momento de su estreno.

Es de anotar la importancia de la música popular como factor determinante en la vida de sus personajes. En PARIENTE, la banda sonora sirve para formular una pregunta casi que filosófica: ¿Si la música habla de muerte y traición, el oyente que la escucha es violento y criminal? ¿Somos como la música que escuchamos? PARIENTE podrá ser vista el lunes 2 de noviembre por el canal Telepacífico a las 4:30 de la tarde y a las 9:30 de la noche, hora de Colombia.

100 DÍAS PARA ENAMORARNOS

100 DÍAS PARA ENAMORARNOS es una serie que primero fue producida por TELEFE, el canal argentino y luego fue retomada por TELEMUNDO, que produce una segunda versión que puede ser vista por NETFLIX desde el segundo semestre de 2020.

La serie combina el formato de telenovela con el de comedia, con la particularidad que no presenta un gran malo o dicho de manera correcta, un antagonista definido. Es un drama que habla de un grupo de amigos de clase media alta, que pertenecen a un contexto latino en Estados Unidos, que intentan resolver lo mejor que pueden sus vidas sentimentales. Aunque los temas son densos, el guion no los enturbia y prima en los personajes el deseo de hacer las cosas bien, aunque al final les salga mal.

100 DÍAS PARA ENAMORARNOS tiene un guion bien construido y además destaca por su el nivel estético. Las cámaras y la fotografía están en su punto y la dirección de arte es impecable. La serie muestra como las maneras de trabajar del cine han llegado a la televisión arraigándose de tal manera, que en un tiempo serán la norma. Incluso para géneros que no requieren de gran espectacularidad, como el melodrama, la comedia o la telenovela latinoamericana, el público sabe apreciarla y para hacerlo, no necesita ser experto en estética, simplemente le gusta.

DE KARATE KID, A COBRA KAI


La serie COBRA KAI, es la continuación de la película KARATE KID, estrenada en 1984 y convertida en ícono de la cultura popular desde sus primeras proyecciones en pantalla grande. El filme ha tenido tanto aliento, que al día de hoy, sirve de base dramática para la serie producida por YOUTUBE RED, que consiguió 5.4 millones de visitas el día de su estreno. Tras este éxito, NETFLIX, la ha incluido en su parrilla y se espera que para 2022, se estrene una tercera temporada.

KARATE KID llega a la pantalla en los años dorados del cine de boxeadores. La anteceden EL TORO SALVAJE, de 1980, dirigida por Martin Scorsese y ROCKY, del 76 y del director John G. Avildsen. La segunda gana Oscar a mejor director y será el mismo Avildsen quien dirija KARATE KID. Esta es una película para público familiar, que no cuenta la historia de un boxeador, pero si la de un peleador adolescente, que debe aprender artes marciales para defenderse de los abusos de sus compañeros de escuela. Tan importante como el joven protagonista, es su maestro, el Señor Miyagi, quien le infunde a su discípulo una filosofía representada en frase como estas:

“No importa quién es más fuerte sino quién es más listo.”
“Está bien perder contra el enemigo pero no contra el miedo.”
“Ganar, perder, no importa; si peleas bien, ganas respeto y entonces, nadie te molestará.”

Han pasado tres décadas para que la verdadera esencia de la película original sea recuperada. El mérito le corresponde a la serie COBRA KAI, en la que los mismos personajes, representados por los mismos actores, retoman la línea de los hechos con el peso de los años, pero con el aliento narrativo necesario para que la propuesta sea un éxito, solo calculable con estándares actuales, en el contexto de una televisión que se ve por redes digitales. Basta ver unos pocos capítulos para darse cuenta del saber narrativo de sus guionistas, que han sabido llevar a la serie toda la carga emocional e intelectual contenida en la primera entrega de 1984.

RETRATO HECHO DE MEMORIA: DOCUMENTAL SOBRE LUIS OSPINA


(Ver el documental por TELEPACÍFICO, el domingo 27 de septiembre a las 2 p.m. https://telepacifico.com/envivo/)

Para recordar al figura del director de cine colombiano Luis Ospina, Telepacífico emite el documental RETRATO HECHO DE MEMORIA, firmado por el comunicador Juan Carlos Díaz. Se trata del último testimonio dejado por Ospina antes de fallecer y se convierte en el reencuentro del maestro del documental con Cali, la ciudad que motivó piezas tan importantes para la cinematografía latinoamericana como el cortometraje AGARRANDO PUEBLO de 1978, codirigido por el también fallecido Carlos Mayolo.

RETRATO HECHO DE MEMORIA adquiere una relevancia inesperada al ser el testimonio final de Ospina, quien por ser artista y haber dejado obra terminada, queda a disposición de la posteridad. Ospina también dirigió trabajos de ficción, ejemplo de ello son sus dos largometrajes, PURA SANGRE de 1982 y SOPLO DE VIDA de 1999, pero donde su huella es más sólida es en el documental. Su reflexión sobre lo local, es decir aquellas piezas vinculadas a su ciudad natal, Cali, son evidencia de cómo se consigue alcanzar la universalidad alejado de la capital y ubicado en la provincia.

RETRATO HECHO DE MEMORIA de Juan Carlos Díaz, recorre Cali en compañía de Ospina, estableciendo la conexión entre el artista y su contexto y se convierte en una reflexión sobre la esencia misma de la creación audiovisual, un ofició que cuenta con el tiempo y el espacio como materias primas de su construcción.

 

REVENGE, VENGANZA DEL MÁS ALLÁ

REVENGE ó VENGANZA DEL MÁS ALLÁ, como se ha titulado en Netflix, es una película de acción dirigida por la francesa Coralie Fargeat, quien en la estrena en 2017 y es premiada ese mismo año como mejor directora en el Festival de Sitges. Aunque la obra no contó con las distribución que merecía, hoy se puede apreciar en las plataformas de contenido por demanda. Cuenta la transformación de una joven indefensa, agredida y violada, interpretada por la italiana Matilda Lutz, que se convierte en un ángel castigador, para persiguir a sus victimarios sin clemencia.

El trabajo de la directora francesa recuerda al de Katthyn Bigelow, destacada por dirigir PUNTO DE QUIEBRE de 1996, un clásico del cine de acción. También hace pensar en las heroínas creadas por Luc Besson, el director de Nikita, bella y al mismo tiempo letal. Evoca a la Barbarella de Jeane Fonda y al Rambo de Stallone. Coralie Fargeat consigue una intensa narración que no teme hacer referencia a los íconos de la cultura cinematográfica popular.

VENGANZA DEL MÁS ALLÁ ha encontrado un puente con el público gracias a la nueva televisión que le permite al espectador ver lo que desea cuando quiere y con el reproductor que tenga disponible. ¿Sería mejor verla en pantalla grande? Quizás, pero las salas de exhibición no están siempre disponibles para el cine que las amerita.

HOLLYWOOD, LA SERIE DE NETFLIX

HOLLYWOOD, es la serie que Netflix oferta desde el primer semestre de 2020. Es producida por el mismo equipo que ideó GLEE, una serie de 2009, que se emitió hasta 2015 y que relata el drama de jóvenes cantantes de un coro escolar, que disfrutan de su talento, pero padecen por su inevitable condición de ser artistas y diferentes. Quizás la experiencia de haber hecho GLEE, sea el combustible que mueve el relato que articula las vidas de los personajes de HOLLYWOOD, actores que están dispuestos a surgir en la industria del “cine americano” de los años 40, después de la Segunda Guerra Mundial, cuando su forma de hacer películas es como una norma, aceptada y preferida por públicos del mundo entero.

Por ser producto de un sistema con férreas maneras de producir, los personajes mostrados por en la serie deben vencer todos los obstáculos para que sus particularidades sexuales, raciales y artísticas sean permitidas. Se trata de una relato que no busca precisiones históricas, aunque si generar un sentido de embriaguez entorno a un contexto casi mítico para los amantes del cine. HOLLYWOOD, la serie, combina el glamour de la edad dorada del “cine americano”, con sus bajos fondos, al tiempo que la ética y los sueños de sus protagonistas se imponen por encima de toda regla que esté contra ellos.

37 SEGUNDOS

Menos de un minuto 37 segundos son suficientes para marcar el derrotero de una vida. La incomunicación de doble vía está en el fondo de este drama. Una madre en un exceso de protección, le oculta a su hija la historia de su pasado. La razón obedece a que la hija, a pesar de ser una talentosa artista dibujante de historietas, sufrió al nacer un daño cerebral que la dejó para siempre atrapada en una silla de ruedas. A su vez, la hija no logra transmitirle a su madre las necesidades, deseos y sueños propios de una chica de 23 años.

Esa ausencia de comunicación precipita una ruptura que lleva al descubrimiento de hechos y situaciones insospechadas. El final de la película deja claro por qué los 37 segundos a los que alude el título de la cinta, van a definir el rumbo de una vida y de una familia. La protagonista de la película padeció parálisis cerebral en la vida real, de ahí su excelente desempeño actoral. RECOMENDADA.

AÑO : 2019

PAIS DE ORIGEN: JAPÓN

DIRECCION : HIKARI

GUION: HIKARI

PRODUCTORES: HIKARI, SHIN YAMAGUCHI

MUSICA : Hiroshi Ishigai

PREMIOS : Festival de Berlín: Sección Panorama – Premio del Público (Mejor Film)

REPARTO: Mei Kayama, Makiko Watanabe, Misuzu Kanno, Shunsuke Daitô, Yuka Itaya, Minori Hagiwara, Nanami Kawakami, Shizuka Ishibashi, Shôhei Uno, Kiyohiko Shibukawa, Toshinori Omi, Eita Okuno