MILLA 22, es una película de 2018 dirigida por Peter Berg y protagonizada por Mark Wahlberg. Cuenta la historia de un agente de la Embajada de Estados Unidos en Indonesia, que debe llevar a un informante traidor hasta un aeropuerto ubicado a 22 millas de distancia. La dificultad radica en que las fuerzas de seguridad indonesias están en su contra y que el servicio de espionaje ruso trata de obstruir su camino. El filme se enmarcada en el género de acción y tiene como detalle curioso, que para simular las calles de Indonesia, el rodaje ha tenido lugar en Bogotá, la capital de Colombia.

El aporte de Colombia al filme, es lo novedoso de sus locaciones para el vasto mercado de las películas de Hollywood. Peter Berg es un director sensible a la arquitectura, la luz de la ciudad e incluso a los materiales con los que Bogotá ha sido construida. Para la cinematografía colombiana, MILLA 22 es un experimento interesante, porque le permite ver sus espacios habituales en el contexto del cine de acción, un género poco visitado por los productores nacionales.

CANDELARIA es la película que Jhonny Hendrix estrena en 2018. Antes de ser proyectada en su natal Colombia, ha sido reconocida con el Gran Premio del Público del Festival de Cine Latinoamericano de Toulouse, en Francia y con el de las Jornadas de Autores, en el Festival de Cine de Venecia, en Italia. El filme es el tercero que este guionista y director firma, a la cabeza de un equipo internacional, que en esta ocasión, estuvo concentrado en Cuba. La película cuenta la interesante historia de amor de una pareja de amantes que superan los 70 años.

CANDELARIA se suma a otros filmes que tratan el amor en la tercera edad, como ELSA Y FRED de 2005 o EL HIJO DE LA NOVIA de 2001. La película de Hendrix deja claro que la clave de la vida no radica en el abundancia material o en la fuerza de la juventud, pero sí en saber que la vida, hay que saber vivirla. Hendrix, siendo un hombre joven, da con su trabajo muestras de una aguda sabiduría que le sirve para abordar un tema complejo sin perder el gusto por el humor inteligente y por el drama bien contado.

Omar Sy protagoniza la película de Lorraine Lévy, titulada KNOCK: EL DOCTOR DE LA FELICIDAD. Trata sobre un personaje que llega a un pueblo sosteniendo que es un médico capaz de curar todos los males. Además de ser un engaño, su afirmación oculta un pasado de dudosa pulcritud. Sin embargo genera tal entorno de bienestar en la población, que cuando es momento de la verdad, el espectador no sabe cuánto agradecimiento merece o qué castigo se le debe dar.

La película está basada en un comedia homónima de 1951 y hace pensar también en EL REGRESO DE MARTIN GUERRE, de 1982, en la que un hombre finge ser otro, que cree muerto. Los argumentos con personajes que asumen identidades ficticias son una constante en el cine. Basta recordar THE MAJESTIC de 2001 con Jim Carey y Martin Landau. Se debe considerar entonces, que la idea de ser otro para vivir una existencia diferente, es un fantasía que pasa por la mente de buena parte de los espectadores.

En este caso, el peso de la película recae sobre los hombros de Omar Sy, quien alcanzó la fama gracias a la película de 2011, AMIGOS INTOCABLES o INTOUCHABLE, como se la llamó en francés. Con este actor, el filme gana el tono de comedia, que sumado al dramatismo de algunas de las escenas, hace de la película una pieza interesante para quienes disfrutan del cine francés.

Genndy Tartakovsky es el director de la tercera entrega de la serie de películas animadas llamada HOTEL TRANSILVANIA. Estos filmes cuentan la vida de un grupo de monstruos que intenta llevar una existencia feliz, en un mundo que no los acepta por ser diferentes. Es probable que sus argumentos se nutran de las experiencias del director, nacido en Rusia, pero migrado a los Estados Unidos, donde gracias a su éxito con los dibujos animados, se ha convertido en una de las figuras relevantes del panorama cinematográfico de las últimas décadas.

A Tartakovsky se le deben aciertos creativos como EL LABORATORIO DE DEXTER o STAR WARS: GUERRAS CLÓNICAS. Estás producciones, tanto en versiones para cine como para televisión, son importantes por el ritmo con el que suceden las historias y por el particular diseño de personajes y de escenarios. Sus propuestas son el resultado de la evolución del estilo de animación conocido como cartoon, cultivado por compañías como la Warner Brothers o Hanna-Barbera.

El trabajo de Tartakovsky es el de un inmigrante que encontró en el lenguaje del dibujo animado, una vía universal para mostrar su forma particular de entender la vida. Genndy Tartakovsky y su obra representan el triunfo de la diferencia, enfrentada a quienes aspiran a ver un mundo más uniforme, organizado siempre por colores, tamaños y categorías y dividido por muros inexpugnables.

Brad Bird es el director y guionista de la primera y la segunda parte de LOS INCREIBLES. La segunda entrega, la de 2018, estrenada 14 años después de la primera, recibe por parte de la crítica, todo tipo de opiniones favorables. Trata el tema de la familia al estilo de LOS SIMPSON o LOS PICAPIEDRAS y con humor logra ser universal.

Se trata de una familia de clase media en la que todos sus miembros, tanto los padres, como los hijos, cuentan con superpoderes. Todo a su alrededor parece salido de los años 50, a mediados del siglo XX, década en la cual el modelo de vida americano estaba en su esplendor. El diseño de escenarios y de utilería, habla de un tiempo en el que la ciencia y la tecnología auguraban un futuro de bienestar para el Planeta.

Brad Bird, quien también dirige la muy recordada RATAUILLE de 2007, combina en LOS INCREIBLES 2, géneros como la ciencia ficción o el cine de espías, con un tono de comedia que hace que el filme sea ideal para todos lo públicos. Cuando el espectador la ve, se da cuenta que los problemas de los protagonista se parecen a los suyos, la diferencia es que carece de los superpoderes.

Es una entrega más de la serie de películas inspiradas en el clásico del cine de acción de 1960, OCEAN’S 11. El primero de estos remakes se llevó a la pantalla en 2001, protagonizado por George Clooney y dirigido por Steven Soderbergh, con un éxito de taquilla, que fue acompañado por críticas más que positivas. Este filme concentraba una pléyade de talentos masculinos que en la película de 2018, OCEAN’S 8: LAS ESTAFADORAS, es remplazado por un grupo de actrices igualmente afamadas.

El reparto lo encabeza Sandra Bullock, quien cada tanto protagoniza algún proyecto relevante. Su constancia le garantiza seguir vigente a pesar del paso de los años. Con los personajes que interpreta, ayuda a convencer a los espectadores sobre la capacidad de las mujeres para salir airosas de cualquier situación. Ya sea una astronauta perdida en el espacio o una madre salvando a un adolescente con problemas de personalidad, la Bullock es sobria y precisa.

OCEAN’S 8: LAS ESTAFADORAS conserva características comunes a las películas anteriores de la serie. Ejemplo de ello son los actores y las actrices atractivos, una música que evoca los años 60 y el diseño de arte, elegante en cada escenario. Este filme es un pasaje garantizado al mundo de la evasión.

EL ÚLTIMO TRAJE cuenta la historia de Abraham, un refugiado judío de la Segunda Guerra Mundial, que siendo viejo y estando muy enfermo, parte solo desde Argentina hacia Polonia, en busca del amigo de infancia que lo ayudó a escapar del holocausto nazi. Es una Road Movie, una película de carretera, narrada a medida que el protagonista hace el viaje.

El filme es dirigido por Pablo Solarz, quien escribe el guion, basado en la historia de sus abuelos y en una conversación que escuchara accidentalmente en calle. La película, más que buscar una reconstrucción historiográfica del padecimiento sufrido por una victima de la guerra, es una aproximación al universo de la memoria, de la amistad, del agradecimiento y del dolor.

EL ÚLTIMO TRAJE conecta con el espectador desde los primeros minutos de proyección. El personaje, el señor Abraham, tiene una personalidad compuesta por cualidades que lo hacen llamativo. En medio de las risas, el espectador se sorprenderá al notar que el relato lo conmueve hasta el llanto. La película es sobria, pero se compenetra de tal forma con el público, que se convierte en una pieza a tener en cuenta dentro de la filmografía latinoamericana de la segunda década del siglo XXI.

SEXI POR ACCIDENTE es la película que cuenta la historia de René, una mujer que después de recibir un fuerte golpe en la cabeza, comienza a verse a sí misma, más atractiva de lo que era hasta ese momento. El golpe accidental es como un hechizo gracias al cual la autoestima del personaje se fortalece y le permite cambiar su vida.

SEXI POR ACCIDENTE, es una reinterpretación del arquetipo creado por la obra literaria EL EXTRAÑO CASO DEL DOCTOR JEKILL Y MISTER HIDE, publicada en 1886 y escrita por Robert Luis Stevenson. En ambas historias el protagonista cambia de apariencia tras un hecho mágico, adquiriendo facultades que compensan sus carencias cotidianas. Películas como BIG o el Doctor Chiflado, también se inspiran en este planteamiento, dejando claro que el drama entre lo que se és y lo que se quiere ser, es una constante que se manifiesta en algunos individuos con más fuerza que en otros.

Es probable que algún espectador crea que con solo ver SEXI POR ACCIDENTE se convertirá en el galán que toda señorita quisiera. Pero cuando se enciendan las luces y se vea en el espejo, sabrá que el cambio a sido casi imperceptible. Comprenderá que solo con algo de locura y buen humor, logrará compensar todo aquello que lo desvela.Locura y desfachatez son las claves propuestas por este filme.

Si bien la película ubica el drama político-religioso en El Líbano – Oriente Medio, a manera de espejo, la temática  es válida para cualquier  espacio geográfico del mundo,  en el cual coincidan comunidades antagónicas por cuenta de sus creencias y valoraciones.

Si estas comunidades  además soportan el peso de historias de dolor sin resolver, memorias de desplazamiento, negación de sus  identidades, secuelas de despojos y saqueos; las condiciones están dadas para que  el más simple malentendido se convierta en chispa incendiaria que polarice  el entorno hasta llegar al absurdo.

La  cinta viene con moraleja incluída y remarca las fatales consecuencias de un lenguaje excluyente cuando emisor y receptor se encuentran especialmente vulnerables   en razón a su propio pasado.