Si bien la película ubica el drama político-religioso en El Líbano – Oriente Medio, a manera de espejo, la temática  es válida para cualquier  espacio geográfico del mundo,  en el cual coincidan comunidades antagónicas por cuenta de sus creencias y valoraciones.

Si estas comunidades  además soportan el peso de historias de dolor sin resolver, memorias de desplazamiento, negación de sus  identidades, secuelas de despojos y saqueos; las condiciones están dadas para que  el más simple malentendido se convierta en chispa incendiaria que polarice  el entorno hasta llegar al absurdo.

La  cinta viene con moraleja incluída y remarca las fatales consecuencias de un lenguaje excluyente cuando emisor y receptor se encuentran especialmente vulnerables   en razón a su propio pasado.

VIRUS TROPICAL (2018) es la película del director de cine colombiano Santiago Caicedo, quién se basa en el cómic de la dibujante y escritora POWER PAOLA, para hacer una atractiva película de dibujos animados. La historia hace referencia a la juventud de una mujer que debe crecer entre Quito y Cali, dos ciudades latinoamericanas durante las décadas del 80 y 90, a finales del siglo XX. Destaca cómo, la violencia del narcotráfico y del crimen organizado, forman parte del contexto, pero no son el fin principal de la narración.

Al ver VIRUS TROPICAL, es inevitable recordar la obra maestra del cine animado PERSÉPOLIS, estrenada en el año 2000. En ambas, el punto de partida es la mirada de jóvenes mujeres que buscan su camino a la adultez, en medio de sociedades complejas y convulsas. Son filmes contados desde los individuos, a la manera del arte más sincero, en consecuencia, el más universal. Ambas sirven de testimonio sobre momentos históricos específicos, sin perder de vista que lo fundamental para el guion, es la experiencia de quienes viven el cuento.

Con VIRUS TROPICAL, Santiago Caicedo entra a formar parte del selecto grupo de directores de cine de animación colombiano, encabezados por Carlos Santa, que buscan en el dibujo animado, una vía para expresar su mundo interior, haciendo conexión con un público cautivado por la belleza de sus propuestas gráficas. Así que es el momento para que usted se arriesgue a descubrir que la verdad de su vida es tan cierta, como la de los personajes de esta película, y quizás concluya que usted es como un dibujo animado y que soporta todo lo que le toca vivir, porque el papel lo aguanta todo.

Hay que ver esta película! Nunca como hoy ha sido tan pertinente y necesario llevar a la pantalla grande, los temas sobre Violencia de Género, Abuso Sexual y Abuso del Poder. La razón: porque la temática sigue siendo universal y vigente, independientemente del sistema político que defina el escenario donde estos dramas suceden.

Basada en hechos reales ocurridos en Túnez en el 2012 y dirigida por una mujer, La Bella y los Perros cuenta en 9 capítulos el drama en espiral, kafkiano y agobiante que padece una joven que quiere denunciar la violación sexual de la cual ha sido objeto y en esa apuesta choca, de manera cruel y despiadada, con todo tipo de barreras, inclusive con aquellas instituciones creadas para proteger sus derechos y su dignidad.

Con una actuación magistral, la protagonista nos recuerda durante 100 minutos, que aquí y allá, la realidad supera la ficción.

EL NO NACIDO es una película de terror dirigida y escrita por el canadiense Brandon Christensen, que cuenta la historia de una mujer embarazada de gemelos, que al momento del nacimiento, pierde uno de sus hijos. El filme plantea que el fallecimiento es causado por un ser fantasmal que continuará atormentando a la madre hasta el final de la película.

Los dramas basados en mujeres embarazadas tienen su referente más famoso en la película EL BEBÉ DE ROSEMARY, también conocida como y LA SEMILLA DEL DIABLO, de Roman Polanski y fechada en 1968. Son recurrentes las nuevas obras que retoman este tema, porque el cine de terror refleja las preocupaciones que atormentan a la sociedad. En el caso de las madres, la incertidumbre ante la salud de los bebes por nacer está siempre presente.

Sin duda, EL NO NACIDO, pone los pelos de punta. En un mundo con una desmedida explosión demográfica, este tipo de películas se presentan como un sustituto a métodos anticonceptivos invasivos. EL NO NACIDO hace conciencia sobre las implicaciones de la paternidad, algunas terrenales y otras espectrales: ¿Está usted dispuesto a asumirlas en su totalidad?

El drama del extrañamiento padecido por una niña de 6 años  es el tema de la opera prima de Carla Simón, bellamente interpretado por Laia Artigas en el papel de Frida. Extrañamiento es una palabra con muchas acepciones: exilio, extrañación, expulsión, ostracismo, confinamiento, destierro. Todo lo anterior lo experimenta  Frida cuando a la muerte de su madre debe ir a pasar un verano con sus tíos, lejos de sus abuelos y de las personas que más la quieren.

No es suficiente para ella que el hermano de su madre y su esposa  intenten suplir ese vacío dándole  un tratamiento igual al de su pequeña hija Anna. El mundo emocional de Frida solo registra una gran pérdida para la que no encuentra explicación.

En ese proceso se ponen evidencia sentimientos propios de la niñez agigantados por el particular drama de Frida: egoísmo, celos, intransigencia, brutalidad, miedo, confusión. Sin derramar una lágrima, la cámara se ocupa  permanentemente de la mirada de Frida buscando respuestas.

Se trata de un tema autobiográfico mediante el cual  la guionista y directora convierte su historia personal  en una  delicada y exquisita  pieza referida al duelo infantil. Todo esto explica los merecidos galardones y premios recibidos.

Sin rupturas violentas, sin lenguaje altisonante, sin episodios traumáticos, YO SOY SIMÓN es una película que aborda en tono de comedia, temas tan sensibles como el bulliyng, la discriminación, el aislamiento y el ser diferente.

Con un tratamiento aparentemente ligero, el filme logra, a través de un joven de 17 años, que desde los 13 supo que era gay, mostrar la dificultad emocional para revelar a su familia y a su entorno de amigos más cercano, su orientación sexual.

YO SOY SIMÓN es una expresión de tolerancia que se resume en el hecho de conjugar tres condiciones de exclusión en el personaje de quien Simón se ha enamorado en línea, sin conocerlo: es judío, es negro y es gay.

El guión de la película está basado en la famosa novela de la sicóloga  Becky Albertalli, dirigida por Greg Berlanti  y protagonizada por  Nick Robinson.

Brad Peyton dirige, por tercera vez, al actor Dwayne Johnson, La Roca, en la película RAMPAGE. Este es un filme de ciencia ficción, que tiene un ritmo trepidante y que no da pie a distracciones. La historia revive el mito del gorila amigable, que en su versión de chimpancé, puso de moda Chita, la fiel amiga de Tarzán, claro está, que en RAMPAGE, las dimensiones del primate protagonista, superan a las de la compañera del Rey de los Monos. RAMPAGE también recuerda  la película CONGO, de 1995, en la que las personas se comunican con los simios empleando lenguaje de señas.

RAMPAGE cuenta la historia de un primatólogo, interpretado por La Roca, que ve como los animales de una reserva natural son afectados por un extraño mal que los hace crecer repentinamente. Entre los afectados se encuentra un simio albino llamado George, con quien el primatólogo se  comunica usando lengua de señas. La película es una reflexión sobre la amistad y la solidaridad. Está pensada para un público familiar, a pesar de tener momentos de fuerte violencia.

El actor y el director, es decir, Johnson y Peyton, son una dupla exitosa con varios filmes taquilleros a sus espaldas. Su primera película es VIAJE AL CENTRO DE LA TIERRA 2, de  2012, seguida por  SAN ANDREAS, de 2015 y ahora RAMPAGE, que se va convirtiendo en un referente importante para las estadísticas de 2018. Además del actor protagonista, el elemento común entre estas obras, son los guiones con un marcado acento apocalíptico, que son pretexto para hacer gala de sorprendentes efectos especiales, que unidos al buen oficio narrativo del director,  hacen es estos filmes, piezas de entretenimiento que no dejan indiferente a ningún asistente a la sala de proyección.

Si bien el actor protagonista es galardonado con la Palma de Oro en el Festival de cine de Cannes. esta película no ha sido bien recibida por la crítica, quizás porque desde el punto de vista cinematográfico podría haber tenido más ritmo. No obstante, desde nuestra óptica, el sólo hecho de llevarnos a una época de ebullición cultural en la que se hace referencia, así sea tangencialmente, a los más grandes exponentes del arte de finales del siglo 19 y principios del 20, ya es una circunstancia relevante.

La película nos acerca a dos temas fundamentales : La persistente búsqueda de Rodin por encontrar las formas escultóricas que le den la aceptación de la sociedad de su tiempo y, El Amor. Este segundo tema se refiere al amor ligero con las aprendices y modelos que pasan por su estudio; al amor permanente, en su relación con Rose Beuret y a la relación  tormentosa con la incomprendida y talentosa Camille Claudel. Esta última, de ayudante se convierte en amante para luego pasar a  emular en el trabajo  en iguales condiciones de destreza, pero en desventaja de reconocimiento para ella, por el hecho de ser mujer.

A destacar en la cinta, el proceso de elaboración por encargo de La Puerta del Infierno inspirada en la Divina Comedia de Dante y  en  Las Flores del Mal de Baudelaire, que muestra las vicisitudes, inseguridades y  derrotas que padece Rodin en la construcción de El Pensador ,  El Beso y cada uno de los  elementos constitutivos de la Puerta y que sólo vinieron a valorarse en su magnitud, después de su muerte.

READY PLAYER ONE es la película dirigida por Steven Splieberg y estrenada en marzo de 2018. Es su regreso al cine entretenimiento, con un filme en el que el ritmo de la acción no da respiro. Su estreno ha sido recibido con una importante afluencia de espectadores, haciendo de ella la película más vista en su primer fin de semana de proyección. La obra pertenece al género de la ciencia ficción y habla de personajes que se mueven entre el mundo de los videojuegos y el de las personas de carne y hueso. Un acierto a todas luces, debido a que los juegos virtuales son una pasión que abarca a buena parte de la población.

READY PLAYER ONE, es un homenaje a la “cultura pop” de los años 80 del siglo XX, de la cual el mismo Spielberg ejerció como uno de sus adalides aventajados. La historia se basa en una novela de ciencia ficción en la que los referentes de la juventud del futuro, son los hitos creados por las películas del mismo Spielberg. Así, unidas a las canciones de las 80, las citas a REGRESO AL FUTURO, estrenada en 1985, son constantes. Es lo que se conoce como cine dentro del cine, en la medida que la trama avanza soportada por pistas proporcionadas por otras películas.

Las ideas que rondan la cabeza cuando se asiste a ver READY PLAYER ONE, están relacionadas con creer que más allá del escape al mundo de la ficción, la literatura, el cine, el video juego o la pura imaginación, la felicidad es algo difícil de conseguir. Sin embargo, lo invitamos a que intente algo diferente, algunos de los que andan por la calle viviendo la vida, afirman que éstas, están llenas de personas entrañables y que si usted se arriesga, quizás, algo bueno le pueda suceder.

Antes de empezar: La Importancia de los subtítulos

La mayoría de las producciones cinematográficas  en lengua castellana, son difíciles de entender por lo particular de los acentos, que obligan al espectador a intentar descifrar lo que escucha, sin poder disfrutar de lo que le cuentan.  Esto sucede porque cada región latinoamericana  y  cada provincia española manejan una jerga, unas expresiones  y unos descensos  en la pronunciación, que el espectador desprevenido, en aras de descifrar lo verbal,   pierde mucho de la esencia de la historia.  Salvo algunas excepciones, como el caso de la galardonada película chilena UNA MUJER FANTÁSTICA (2017), que es absolutamente inteligible, la generalidad de las películas en habla castellana  adolecen de esa falencia, que sería fácilmente superable si se acudiera a los subtítulos o a un mejor uso de la técnica vocal.

Bajo este presupuesto se aborda  ZAMA.

“A las víctimas de la espera”. Nunca una dedicatoria cala tan profundo como la escrita por Antonio de Benedetto en el libro que sirve de base a la película ZAMA de Lucrecia Martel. La cinta narra  el drama de Diego de Zama corregidor español con un rango incierto en la pirámide de poder colonial, cuyos  privilegios no le alcanzan para decidir autónomamente su traslado a la población donde se encuentran su mujer y sus hijos. Su historia es similar a la de EL Coronel no tiene quien le escriba, pero en el caso de Zama, la carta que espera es la solicitud que debe enviar su  déspota superior pidiendo su traslado. La impotencia, el hastío, el extrañamiento, su condición de presidiario sin rejas, se reflejan en el rostro de Zama interpretado magistralmente por el actor Daniel Giménez Cacho. Pero por terrible que sea,  esa espera es el móvil de su existencia.

Muchas extravagancias que pueden interpretarse como genialidades atraviesan la película, dándole un matiz surrealista: animales que fungen como actores, niños que expresan premoniciones, un ejército de ciegos y la introducción de boleros como temas musicales.  La película tiene bien ganado el sitial que se le ha otorgado.