POR: MIGUEL ERNESTO YUSTY

Como su nombre lo indica, JOHN WICK 4 es la cuarta entrega de la saga de películas sobre un integrante de la mafia rusa que cuando se retira del mundo del delito, es nuevamente arrastrado a la delincuencia para vengar la muerte de su perro a manos de un grupo de ladrones. Este hecho, el robo, da al personaje motivación suficiente para justificar cada uno de sus actos violentos y tener al público de su lado, por que nada genera más empatía que la defensa de animalitos desvalidos. Las consecuencias de esa venganza tienen eco hasta que el protagonista, interpretado por Keanu Reves, llega a este cuarto filme.

El cuarteto de películas es dirigido por Chat Stahelski, un antiguo doble de escenas de riesgo, que se convierte en coreógrafo y que en la actualidad ha sabido tomar el conocimiento aprendido en la actuación de escenas de acción, para aplicarlo a la puesta escena como director. De esta forma consigue que las luchas cuerpo a cuerpo sean una bella danza de la muerte. Para dar sustento a esta afirmación, se invita a los lectores a ver su trabajo como coreógrafo de batallas en la película de 2006, 300. En JOHN WICK 4, el nivel de violencia hastía a pocos espectadores y por el contrario atrae a muchos debido a la estización del acto de matar.

John Wick se convierte en el vengador que la sociedad planetaria reclama. Hombre sensible, viudo y con debilidad por las mascotas, tiene patente de corso para ejecutar delincuentes. El público no lo abandona porque los filmes cuentan con una dirección de fotografía preciosista que convierte cada plano en una ilustración. Los espectadores no tienen escapatoria, al punto de creer que el mundo de JOHN WICK 4, es el deber ser de la vida. ¿Esto los transforma en asesinos implacables? No, pero si en individuos que encuentran sanación a su condición de víctimas del salvajismo de la vida cotidiana. La moral, la ley, la ética, el temor, evitan que el espectador se convierta en émulo del protagonista interpretado por Keanu Reves. Aunque por momentos las peleas lucen reales, con un parpadeo el cinéfilo descubre que se encuentra en la sala de cine. Pero ese escape a la ficción, en el que el sujeto salda su cuenta de pendientes con el “mundo”, es la razón para el éxito contundente de esta saga de películas.

POR: MIGUEL ERNESTO YUSTY

DAISY JONES & THE SIX o como se la conoce en países de habla castellana, TODOS QUIEREN A DAISY JONES es una serie de televisión producida por AMAZON, que se basa en una novela homónima escrita por Taylor Jenkins Reid, que habla sobre un grupo musical similar al conjunto británico Fleedwood Mac. La historia sucede en California durante los años 70s y mezcla el amor romántico con la ferviente necesidad de hacer música de un grupo de amigos dispuestos a todo por hacer que el arte ocupe todos los momentos de sus vidas. Como en otras propuestas con temática similar la frase “ sexo, drogas y rock and roll” es preponderante, pero aquí se incluyen en el relato otras miradas a las que se les da igual importancia.

En los roles principales se encuentran Reley Keough como Daisy, como el líder de los “Six”, los seis, está Sam Clafin. Ambos actores y también músicos saben dar a sus interpretaciones la fuerza necesaria para hacer comprensibles los dramas que motivan las complejas personalidades de los dos protagonistas. En caso de Rely se suma a su experiencia vital como actriz, es ha vivido el mundo de la música de manera intensa al ser la nieta mayor de Elvis Presley. La serie sobrepasa la audiencia de nicho al dar a los dramas amorosos un buen porcentaje de la responsabilidad de cautivar al público.

DAISY JONES & THE SIX se inclina por dar visibilidad al impulso vital del espíritu creativo de los personajes a los recrea. Permite al espectador asistir al proceso creativo seguido por los personajes para componer los temas musicales que interpretan en cada episodio. Por eso la serie consigue ser exitosa, porque ante la opción de victimizar a los artistas como consecuencias de sus debilidades emocionales y sus adicciones, prefiere exaltar aquello que los hace grandes como símbolos culturales del momento histórico en el que viven.

POR: MIGUEL ERNESTO YUSTY

LUTHER: CAE LA NOCHE, se estrenó en salas de cine el 24 de febrero del 2023, para estar disponible en NETFLIX el día 10 de marzo y 48 horas después ser ya la película más vista en la plataforma. La película parte de un personaje que protagoniza una serie británica del mismo nombre, que se emitió entre el año 2010 y el 2019, con importantes reconocimientos por parte de la crítica especializada. Amabas, la película y la serie, cuentan la historia de un investigador que se obsesiona con sus casos y en las dos versiones el actor que lo interpreta es Idris Elba, quien ha estado sonando para ser el sucesor de Daniel Craig, en el rol de James Bond.

Además de Idris Elba, el filme cuenta con Andy Serkis interpretando al villano, un cruel y desalmado torturador que orquesta sus crímenes con el apoyo de las redes digitales. Serkis es una de las figuras relevantes de la historia reciente del cine. Sus aportes al séptimo arte se encuentran vinculados a la captura de movimiento. Es decir que él, como actor y conectado a sensores digitales, da vida a muñecos digitales, tales como el Gollum de la saga del SEÑOR DE LOS ANILLOS, con sus tres películas estrenadas entre 2001 y 2003, y al King Kong de Peter Jackson, de 2005. Su capacidad para expresar emociones con su rostro, aporta a sus personajes antagónicos una complejidad que atrae a los espectadores.

Luther es un personaje sufridor, que recibe golpes sin pausa y que sobrevive aunque todas las circunstancias estén en su contra. El gesto de sus cejas hace pensar que padece de profundas dolencias en su espíritu, pero como su físico es imponente, siempre se alberga la esperanza de verlo sobrevivir a sus penurias. En LUTHER: CAE LA NOCHE, luego que la vida le ha pasado por encima como una aplanadora y las culpas que lo han hecho caer en desgracia siguen vigentes, parece que el destino lo llevará a la salvación y lo pondrá en camino de ser un agente al servicio de su “Majestad”, para ser el nuevo James Bond.

POR: MIGUEL ERNESTO YUSTY

CREED III es la novena película basada en la historia del personaje creado por Sylvester Stallone, Rocky, para el filme del mismo nombre, estrenado en 1976. En la raíz de la historia se encuentran protagonistas que luchan contra la pobreza y la exclusión y que por medio del boxeo consiguen mejorar sus condiciones de vida y crecer como seres humanos. Las primeras seis películas coinciden con el final de la guerra fría y se convierten en un reflejo de la pugna entre este y oeste, desde la mirada estadounidense, sin que por ello la fuerza dramática de la saga decaiga. Prueba de su contundencia, es que casi cinco décadas después de la primera entrega, los filmes con Rocky como referente, siguen dando de qué hablar.

Creed es el apellido de uno de los contendores que enfrentó Rocky Balboa. En las películas posteriores a 2015, este nombre hace referencia a su hijo, es decir que hay una idea de “herencia” deportiva que pasa de generación en generación, algo así como un determinismo de gladiadores. CREED III es dirigida por el mismo actor que la protagoniza, Michael A. Jordan y es su opera prima. A lo anterior se suma una vocación autoral y de experimentación que dignifica el filme, con propuestas de iluminación y de escenografía nunca antes vista en otros capítulos de la saga.

Esta película, CREED III, es hija de su tiempo. Estrenada en 2023, coincide con la guerra entre Rusia y Ucrania, que es un símil de la guerra fría. Aunque en este episodio el combate central no sea entre rusos y “americanos”, si se respira, en segundo plano, el peso de ese conflicto histórico. Por otra parte, la película sabe mostrar el ascenso de las comunidades afroamericanas a los estratos altos de la sociedad, a diferencia de la película de 1976, en la que los italoamericanos eran quienes pugnaban por posicionarse arriba de la pirámide social. Más allá de estas reflexiones, CREED III funciona porque construye personajes con motivaciones capaces de llevarlos hasta las últimas consecuencias, siendo así una película llamativa para audiencias de todas las nacionalidades.

POR: MIGUEL ERNESTO YUSTY

EL TRIÁNGULO DE LA TRISTEZA es un filme dirigido por el sueco Ruben Östlund, ganador de algunos de los premios más importantes del circuito de festivales internacionales. Con EL TRIÁNGULO DE LA TRISTEZA estrenada en 2022, aspira a ser ganador del premio Oscar a mejor director, mejor película y mejor guion original. Se trata de una comedia, que parecería ser una reflexión sobre política y economía, pero supera lo académico y se adentra en un análisis sobre la naturaleza humana y su capacidad para sobrevivir a cualquier precio.

Entendido de forma concreta, el triángulo de la tristeza es la figura que se dibuja en ciertos rostros cuando su ceño se frunce. Queda a libertad de los espectadores interpretar de qué manera este rasgo facial representa el fondo de la película. Donde no hay lugar a interpretaciones, es en afirmar que, en el cine, todos los conceptos y las ideas deben convertirse en imágenes y sonidos, y en ello, esta película supera la prueba con altas calificaciones. Ruben Östlund, quien también hace de guionista, encuentra las acciones precisas para ilustrar lo miserable de la riqueza y la crueldad de la pobreza. Ruben demuestra que, por encima de cualquier valor, incluso del amor, la obtención del alimento y la necesidad de tener un techo para protegerse de las inclemencias de la vida, son siempre prioritarias.

Desesperanzadora y realista, EL TRIÁNGULO DE LA TRISTEZA sostiene sin piedad, que incluso en medio de la más sofisticada opulencia, los seres humanos tienden al egoísmo. El lenguaje cinematográfico, la cámara, el sonido, la música, la dirección de arte, todo en esta película es atractivo para el público. Así, Ruben Östlund sabe llevar la profundidad de su cruel planteamiento a todo tipo de espectador y esa es su mayor cualidad.