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100 DÍAS PARA ENAMORARNOS

100 DÍAS PARA ENAMORARNOS es una serie que primero fue producida por TELEFE, el canal argentino y luego fue retomada por TELEMUNDO, que produce una segunda versión que puede ser vista por NETFLIX desde el segundo semestre de 2020.

La serie combina el formato de telenovela con el de comedia, con la particularidad que no presenta un gran malo o dicho de manera correcta, un antagonista definido. Es un drama que habla de un grupo de amigos de clase media alta, que pertenecen a un contexto latino en Estados Unidos, que intentan resolver lo mejor que pueden sus vidas sentimentales. Aunque los temas son densos, el guion no los enturbia y prima en los personajes el deseo de hacer las cosas bien, aunque al final les salga mal.

100 DÍAS PARA ENAMORARNOS tiene un guion bien construido y además destaca por su el nivel estético. Las cámaras y la fotografía están en su punto y la dirección de arte es impecable. La serie muestra como las maneras de trabajar del cine han llegado a la televisión arraigándose de tal manera, que en un tiempo serán la norma. Incluso para géneros que no requieren de gran espectacularidad, como el melodrama, la comedia o la telenovela latinoamericana, el público sabe apreciarla y para hacerlo, no necesita ser experto en estética, simplemente le gusta.

DE KARATE KID, A COBRA KAI


La serie COBRA KAI, es la continuación de la película KARATE KID, estrenada en 1984 y convertida en ícono de la cultura popular desde sus primeras proyecciones en pantalla grande. El filme ha tenido tanto aliento, que al día de hoy, sirve de base dramática para la serie producida por YOUTUBE RED, que consiguió 5.4 millones de visitas el día de su estreno. Tras este éxito, NETFLIX, la ha incluido en su parrilla y se espera que para 2022, se estrene una tercera temporada.

KARATE KID llega a la pantalla en los años dorados del cine de boxeadores. La anteceden EL TORO SALVAJE, de 1980, dirigida por Martin Scorsese y ROCKY, del 76 y del director John G. Avildsen. La segunda gana Oscar a mejor director y será el mismo Avildsen quien dirija KARATE KID. Esta es una película para público familiar, que no cuenta la historia de un boxeador, pero si la de un peleador adolescente, que debe aprender artes marciales para defenderse de los abusos de sus compañeros de escuela. Tan importante como el joven protagonista, es su maestro, el Señor Miyagi, quien le infunde a su discípulo una filosofía representada en frase como estas:

“No importa quién es más fuerte sino quién es más listo.”
“Está bien perder contra el enemigo pero no contra el miedo.”
“Ganar, perder, no importa; si peleas bien, ganas respeto y entonces, nadie te molestará.”

Han pasado tres décadas para que la verdadera esencia de la película original sea recuperada. El mérito le corresponde a la serie COBRA KAI, en la que los mismos personajes, representados por los mismos actores, retoman la línea de los hechos con el peso de los años, pero con el aliento narrativo necesario para que la propuesta sea un éxito, solo calculable con estándares actuales, en el contexto de una televisión que se ve por redes digitales. Basta ver unos pocos capítulos para darse cuenta del saber narrativo de sus guionistas, que han sabido llevar a la serie toda la carga emocional e intelectual contenida en la primera entrega de 1984.

RETRATO HECHO DE MEMORIA: DOCUMENTAL SOBRE LUIS OSPINA


(Ver el documental por TELEPACÍFICO, el domingo 27 de septiembre a las 2 p.m. https://telepacifico.com/envivo/)

Para recordar al figura del director de cine colombiano Luis Ospina, Telepacífico emite el documental RETRATO HECHO DE MEMORIA, firmado por el comunicador Juan Carlos Díaz. Se trata del último testimonio dejado por Ospina antes de fallecer y se convierte en el reencuentro del maestro del documental con Cali, la ciudad que motivó piezas tan importantes para la cinematografía latinoamericana como el cortometraje AGARRANDO PUEBLO de 1978, codirigido por el también fallecido Carlos Mayolo.

RETRATO HECHO DE MEMORIA adquiere una relevancia inesperada al ser el testimonio final de Ospina, quien por ser artista y haber dejado obra terminada, queda a disposición de la posteridad. Ospina también dirigió trabajos de ficción, ejemplo de ello son sus dos largometrajes, PURA SANGRE de 1982 y SOPLO DE VIDA de 1999, pero donde su huella es más sólida es en el documental. Su reflexión sobre lo local, es decir aquellas piezas vinculadas a su ciudad natal, Cali, son evidencia de cómo se consigue alcanzar la universalidad alejado de la capital y ubicado en la provincia.

RETRATO HECHO DE MEMORIA de Juan Carlos Díaz, recorre Cali en compañía de Ospina, estableciendo la conexión entre el artista y su contexto y se convierte en una reflexión sobre la esencia misma de la creación audiovisual, un ofició que cuenta con el tiempo y el espacio como materias primas de su construcción.

 

SteadiCam

En este articulo vamos a discutir sobre las opciones que existen para los creadores de cine independiente, en estabilizadores para cámaras.

Los Estabilizadores son dispositivos de contrapesos que sirven de ayuda al operador de cámara para tener mejor control al rodar o grabar planos en movimiento.

 

Con la intención de facilitar el trabajo a los camarógrafos, en 1976 Garret Brown inventa un dispositivo para cámaras de cine que le permite hacer planos llevando la cámara en la mano, sin que se note ninguna vibración. Lo llamó Steadicam y fue registrado por la compañía Tiffen.

Se usó por primera vez en la película estadounidense de 1976, Rocky, escrita y protagonizada por Sylvester Stallone y dirigida por John G. Avildsen, en la que el mismo Garret Brown trabajó como camarógrafo. Un poco después, tras la publicación del libro El resplandor de Stephen King, el director de cine Stanley Kubrick decide hacer la adaptación para pantalla grande y utiliza el Steadicam en algunas escenas. Fue así como se popularizó el uso de este dispositivo.

La Steadicam puede soportar un peso que oscila entre 12 y 70 libras, en sus distintas presentaciones, con un valor entre US$7,000 y US$66,000. Hoy en día existen diversas marcas, que le ofrecen a los creadores de cine independiente, unas opciones más económicas y de buena calidad. Entre estas se encuentra Bassom Steady System, una compañía argentina fundada en 1997, que se encarga del ensamble, fabricación y diseño de estabilizadores para cámaras profesionales. Igualmente se encuentra Proaim, una marca india de 2004, cuyos estabilizadores llevan el nombre de Flycam.

Asumiendo que las cámaras que utilizan los creadores de cine independiente no son tan pesadas, les invitamos a probar las dos opciones de bajo costo antes mencionadas, orientadas a responder a las necesidades de cámaras de hasta 12 libras. En la marca Bassom Steady System el valor más económico para este peso es de US$ 4,620. En Proaim el valor es de US$1,750. Sin embargo, además del peso, son las necesidades creativas de quien produce, las que juegan un papel importante a la hora de elegir marcas y tipos de estabilizadores. Para mayor información visite:

http://www.bassonsteady.com.ar/shop/categorias.asp?id=1
http://www.proaimshop.com/pas/Flycam-stabilization-systems/

Les compartimos una de las escenas de la película El resplandor, en la que se hizo uso del Steadicam.

REVENGE, VENGANZA DEL MÁS ALLÁ

REVENGE ó VENGANZA DEL MÁS ALLÁ, como se ha titulado en Netflix, es una película de acción dirigida por la francesa Coralie Fargeat, quien en la estrena en 2017 y es premiada ese mismo año como mejor directora en el Festival de Sitges. Aunque la obra no contó con las distribución que merecía, hoy se puede apreciar en las plataformas de contenido por demanda. Cuenta la transformación de una joven indefensa, agredida y violada, interpretada por la italiana Matilda Lutz, que se convierte en un ángel castigador, para persiguir a sus victimarios sin clemencia.

El trabajo de la directora francesa recuerda al de Katthyn Bigelow, destacada por dirigir PUNTO DE QUIEBRE de 1996, un clásico del cine de acción. También hace pensar en las heroínas creadas por Luc Besson, el director de Nikita, bella y al mismo tiempo letal. Evoca a la Barbarella de Jeane Fonda y al Rambo de Stallone. Coralie Fargeat consigue una intensa narración que no teme hacer referencia a los íconos de la cultura cinematográfica popular.

VENGANZA DEL MÁS ALLÁ ha encontrado un puente con el público gracias a la nueva televisión que le permite al espectador ver lo que desea cuando quiere y con el reproductor que tenga disponible. ¿Sería mejor verla en pantalla grande? Quizás, pero las salas de exhibición no están siempre disponibles para el cine que las amerita.

LAS MEJORES PERSECUCIONES

Acelerador a fondo, se puede ver al enemigo por el retrovisor, la tensión se eleva, la adrenalina fluye y recorre el cuerpo, el ritmo cardíaco aumenta. Cosas que sentirías si fueras parte de una persecución. Por eso les traemos el recuento de las mejores persecuciones en el cine, según la crítica.

En 1979, George Miller estrena la pelicula “Mad Max”, protagonizada por Mel Gibson y considerada por Quentin Tarantino como la película que revolucionó la manera de ver las persecuciones en el cine, una película llena de acoso y hostigamiento a altísimas velocidades en carreteras australianas.

“Ronin” del director estadounidense John Frankenheimer, es otra de las películas en la cual podemos ver a Robert De Niro y al francés Jean Reno protagonizando las persecuciones más espectaculares. Ahí los autos explotan y vuelan por los aires mientras los transeúntes huyen para no ser atropellados.

Sin embargo, la persecución más adorada por la crítica se puede apreciar en el filme de accion “Bullitt” de Peter Yates, en la cual dos de los Muscle Cars más amados en los Estados Unidos (Dodge Charger y Chevrolet Mustang), se ven envueltos en un escalofriante hostigamiento. Estos efectos han sido muchas veces homenajeados y parodiados en la industria del cine.

 

45 minutos, es el tiempo que dura la que podría ser la persecución más larga en la historia del cine, la cual se aprecia en la película “Gone In 60 Seconds”. Según la crítica, esta película protagonizada, escrita y dirigida por H.B. Halicki es también una de las mejor calculadas y más reales de la historia del cine.

CINEMASCOPE

En los años 50, Henry Chrétien crea el Anamorphoscope, rebautizado por la 20th Century Fox como Cinemascope. Una de sus peculiaridades era la utilización de lentes anamórficos que comprimían la imagen verticalmente en el negativo.

En ese tiempo los filmes se rodaban en formato 1.33:1 o sea el famoso 4:3, Entonces con el Cinemascope, aparecieron los primeros cines con pantalla rectangular, donde se podían apreciar muchísimos más detalles que en la pantalla tipo 4:3.

Para eso utilizaron lentes anamórficos u objetivos Hypergonar que comprimen la imagen en el negativo, y que luego, al proyectarla con una lente contraria sobre una pantalla cóncava, la imagen se veía en sus proporciones reales (formato 2.66:1 en Cinemascope, y actualmente más o menos 2.35:1).

Con el paso del tiempo ya no era necesario utilizar la pantalla cóncava ya que se perfecciono este sistema para que fuese proyectado sobre la pantalla plana que disfrutamos ahora.

Así pues, la imagen que se comprimía en el negativo tenía mayor resolución y era mas grande al descomprimirla.

por otro lado, en las películas sin formato anamorfico, a veces se tomaba la imagen completa del negativo (Sin comprimir) y se le implantaban dos barras negras arriba y abajo , así, se obtenía también un formato panorámico pero las barras negras antes mencionadas le hacían perder resolución al film.

 

La primera película estrenada en CinemaScope fue THE ROBE (LA TUNICA SAGRADA, 1953), producida por la 20th Century Fox, dirigida por Henry Koster e interpretada por Richard Burton y Victor Mature.

FAMOSOS VESTIDOS DE CUERO

 

Sensualidad, elegancia, elasticidad y rebeldia son algunas de las palabras que se te vienen a la mente al escuchar la palabra cuero. Proveniente del latín Curium (Piel curtida de animal), se cree que el cuero data de la prehistoria, ya que existen pruebas de que los primeros hombres tenían el conocimiento necesario para procesar el cuero de los animales que cazaban y consumían.
A lo largo de la historia muchas son las estrellas y personajes del mundo del cine que utilizan cuero en sus películas y convirtieron sus trajes en iconos.
A continuacion algunos ejemplos:

James Dean en REBELDE SIN CAUSA con su chaqueta de cuero negro.

La chaqueta con logos alusivos a la Fuerza Aérea Estadounidense utilizada por Tom Cruise en TOP GUN.

La hermosa chaqueta de cuero de serpiente utilizada por Nicolas Cage en CORAZON SALVAJE.

La sensualidad salta a la vista con el inolvidable traje de cuero completo de todas las versiones de Gatubela (Michelle Pfeiffer,Halle Berry, entre otras), este se ha convertido en un icono sensual y sexual.

Los despampanantes trajes de cuero negro y rojo utilizados por Jennifer Garner y Ben Affleck en ELEKTRA y DAREDEVIL

Los trajes de batalla de los X-MEN, resistentes a cualquier imprevisto.

Y no podía faltar el traje de cuero amarillo utilizado por Uma Thurman en KILL BILL, inspirado en el maestro de artes marciales Bruce Lee

FOLLOWING, OPERA PRIMA DE CHRISTOPHER NOLAN

Dark Knight Rises

Desde sus primero momentos como director de largometrajes, Christopher Nolan dio muestras de ser un creador dotado de talento excepcional. Así lo deja ver su opera prima, FOLLOWING (1998), rodada en blanco y negro, en formato de 16 milímetros y con un irrisorio costo de seis mil dolares. Bien recibida por la crítica, la película marcó los derroteros que han caracterizado las siguientes obras del Director.

Lo primero para destacar en FOLLOWING, es la elección del suspense como terreno de experimentación. Nolan se mueve con libertad en este campo, sabiendo imprimir a su cine, un tono trascendental que cautiva al espectador. Ello le deja abordar temáticas de entretenimiento, que sabe convertir en dramas con profundidad trascendental, como en ORIGEN (2010) o EL PRESTIGIO (2006).

Es relevante su manejo del montaje. En FOLLOWING es Nolan quien ejerce como editor. El resultado es una linea de tiempo deconstruida, que logra mantener expectante al espectador. En ella, las escena no están completas hasta que algún detalle procedente del pasado o del futuro, cierra el círculo del relato.

FOLLOWING es un ejercicio de producción de bajo costo, que muestra un Christopher Nolan habilidoso para las finanzas. Tal cualidad le ha permitido definir el tipo de películas que hasta le fecha ha llevado a la pantalla. Su talento como productor, unido al arte que imprime a su cine, le facilita ser un creador independiente, en el universo de una industria que antepone la taquilla, a cualquier otro valor.